True Confession
USA 1937 Paramount
con
Carole Lombard, Fred MacMurray, John Barrymore, Una Merkel, Porter Hall, Edgar Kennedy, Lynne Overman, Irving Bacon, Fritz Feld, Richard Carle, John T. Murray, Tom Dugan, Garry Owen, Toby Wing, Hattie McDaniel, Eleanor Fisher
regia di Wesley Ruggles

Ken Barrett è un giovane avvocato che vuole difendere solo gli innocenti così, per pagare i conti, la moglie Helen sfrutta la sua fantasia da romanziera senza successo raccontanto un mucchio di bugie, anche al marito. Ad esempio senza dir nulla al consorte, accetta l’impiego come segretaria privata di un individuo che si rivela un porco. Helen fugge alle avances lasciando cappello e soprabito e quando torna a riprenderli con l’amica Daisy trova la polizia e il cadavere del suo datore di lavoro. Accusata dell’omicidio, Helen decide di dichiararsi colpevole sicura che l’arringa del marito la salverà e lo trasformerà in un avvocato di fama. Tutto va secondo i piani della donna ma sulla nuova vita di successo pesa l’ombra dell’omicidio di Helen che non può svelare la propria innocenza fino all’arrivo di un criminologo pazzo, il vero omicida che vuole ricattare i Bartlett…

La moglie bugiarda è un prodotto piuttosto strano nella produzione delle commedie brillanti e screwball del periodo lo dimostra l’insolita scena iniziale: non solo non siamo in un lussuoso appartamento dei quartieri alti dove di solito si ambientano le commedie anni ’30, ma il quartiere popolare è introdotto da una ripresa in esterni. Al di fuori degli studios sono anche ambientate gli esterni sul lago dove i Barlett hanno comprato una villa. A questo elemento piuttosto innovativo fa da contraltare una divisione degli ambienti che rispetta la derivazione teatrale del film per cui l’antefatto si svolge prevalentemente nell’appartemento dei Barlett, la parte centrale è ambientata in tribunale con il processo di Helen e la chiusa avviene nella nuova proprietà della coppia dove li raggiunge Charley Jasper, il criminologo pazzo che si vanta di essere il vero colpevole ma sinceramente io non sono riuscita a capire se fosse vero: il personaggio dipinto dia John Barrymore è così surreale, a tratti quasi chapliniano che non è chiaro se sia sincero.
Il tema verità menzogna è il nucleo centrale del film: la coppia dei Barlett è improbabile proprio per il loro rapporto con l’onestà: lui è un integerrimo professionista che vuole difendere solo gli innocenti facendo la fame, lei non si fa nessuno scrupolo a inventare qualsiasi cosa per ottenere ciò che vuole, sia allungare il conto dal macellaio, sia far lasciare il lavoro all’amica prima del tempo perché deve informarla delle sue novità. Un personaggio sulla carta odioso, quello di Helen Bartlett ma reso adorabile dall’interpretazione di Carole Lombard: quando si pianta la lingua nella gota è perché ne sta pensando una delle sue, un “tic” che la caratterizza in maniera divertente.
Una storia pazza e divertente che ha il suo culmine nella rappresentazione dell’omicidio fasullo in tribunale dove l’allestimento teatrale dell’appartamento del morto ha una valenza metacinematografica: una rappresentazione nella rappresentazione. Il falso trasformato in farsa dalla gag della porta che non si apre mai è l’emblema del film che rompe un altro connubio classico, quello della commedia con il thriller e alla fine non importa chi ha ucciso Otto Krayler, non è quello il tema del film che si rivela una satira graffiante dell’ascesa sociale: la bugia a fin di bene per pagare i conti fa un salto di qualità e diventa il mezzo per ottenere fama e successo.

Cruella
USA 2012 Disney
con Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, Emily Beecham, Mark Strong, Kirby Howell-Baptiste, John McCrea, Kayvan Novak, Andrew Leung, Tipper Seifert-Cleveland
regia di Craig Gillespie

Estrella è una bambina dalla forte personalità, caratterizzata da una una bizzarra chioma divisa in due bianca da una parte e nera dall’altra, questo le causa non pochi problemi a scuola a cui la bambina si ribella con veemenza. Dopo esser stata cacciata da scuola, la madre decide di trasferirsi a Londra ma durante una sosta lungo la strada, in un castello dove si tiene una festa sfarzosa che attira la curiosità di Estrella, la madre muore. La bambina è convinta che sia colpa sua e riesce a raggiungere Londra in maniera fortunosa qui stringe amicizia con altri due orfanelli e i tre crescono diventando abili truffatori, finché Jasper e Horace non decidono che la ragazza debba dimostrare il suo talento nella moda facendola assumere ai magazzini Liberty. Estrella attira l’attenzione della stilista Baronessa von Hellman diventando la sua assistente e scoprendo che la donna è implicata nella morte della madre e molto di più…

Prosegue la rilettura in live action delle grandi vilain dei classici Disney e il caso di Crudelia De Mon -o Cruella De Vil nell’originale- sembrava un caso particolarmente complicato: come rendere simpatica il personaggio grottesco e scarmigliato che voleva uccidere i cuccioli di dalmata per farne pellicce? La soluzione è semplice far scontrare Crudelia con qualcuno ancora più cattivo di lei e cioè la Baronessa von Hellman, che con un twistplot degno della migliore tradizione fiabesca (quindi disneyana) §§spoiler§§ si scopre essere la madre biologica della bambina che doveva essere eliminata dal suo aiutante ma appunto come nelle fiabe l’uomo incaricato dell’omicidio si dimostra più sensibile della genitrice e affida la piccola a qualcuno che la cresca in questo caso Catherine Miller, ex dipendente della Baronessa.
Ovviamente Crudelia non ha l’insana passione per le pellicce dei dalmata, anzi ha cani fin dalla tenera infanzia e sono i dalmata che diventano l’estensione della cattiveria della loro proprietaria, la baronessa che li ha addestrati a gettare gli ospiti non graditi dalla scogliera ma dopo esser entrata in possesso della fortuna della baronessa, Estrella regala due cuccioli di dalmata all’ex avvocato della baronessa e alla reporter Anita, il film si chiude mentre Roger canticchia al pianoforte Crudelia De Mon, la celebre canzone del cartone suggellando il legame con il classico Disney.
Punto forte del film è l’ambientazione nella swinging London degli anni ’60-’70: la musica e i costumi sopperiscono le debolezze della sceneggiatura e se l’ambientazione nel mondo della moda richiama Il diavolo veste Prada, Emma Thompson è bravissima nello spingere i toni caricaturali e allontanarsi dalla Miranda Priestly di Meryl Streep.

Ten Little Indians
UK, 1965
con Hugh O’ Brian, Shirley Eaton, Fabian, Wiilfrid Hyde-White, Leo Genn, Mario Adorf, Stanley Holloway, Daliah Lavi, Dennis Price, Marianne Hoppe
regia di George Pollock

Dieci persone vengono invitate in un isolato castello in montagna, raggiungibile solo dalla funivia, benché alcuni di loro siano dipendenti del misterioso padrone di casa, nessuno lo conosce perché appena assunti attraverso un’agenzia. Mr. Owen non è presente ad accogliere gli invitati ma durante la cena parte una voce registrata che spiega il motivo della riunione: tutti i presenti sono colpevoli di omicidio. Poco dopo iniziano le morti ispirate alla filastrocca che si trova in ogni camera da letto e ad ogni omicidio uno dei dieci indiani del centro tavola viene trovato spezzato…

Seconda trasposizione cinematografica del più celebre giallo di Agatha Christie che arriva dopo 20 anni dal primo film diretto da  René Clair.
La seconda versione ne riprende il finale (ovviamente differente dal complesso meccanismo conclusivo del romanzo) ma cambia l’ambientazione: dall’isola sperduta si passa a un picco montuoso raggiungibile sono dalla funivia il cui cavo si spezza al terzo omicidio quando la cuoca Elsa Grohmann cerca di lasciare la magione isolando definitivamente gli ospiti di mister Owen.
L’ambientazione montana con i bianchi accecanti della neve esaspera il bianco e nero, il film ha un po’ il gusto di una riduzione televisiva puntando tutto sull’abilità degli ottimi caratteristi, fra tutti Stanley Holloway nei panni del detective Blore, mentre i due protagonisti che si salvano sono interpretati dall’aitante Hugh O’Brian e la bella Shirley Eaton. Macchina da presa puntata quindi soprattutto sui volti degli attori per scoprire il colpevole e spiare le ansie e i sospetti.

Germania, 2009
Con Adam Bousdoukos, Moritz Bleibtreu, Birol Unel, Pheline Roggan, Anna Bederke, Dorka Gryllus, Lucas Gregorowicz, Wotan Wilke Mohring
regia di Fatih Akin

Zinos Kazantzakis cerca di gestire una taverna in un quartiere periferico di Amburgo tra mille problemi: gli arretrati al fisco, la fidanzata che sta per trasferirsi a Shanghai, il fratello carcerato che gli chiede di assumerlo per poter allungare le ore di libertà condizionata. Quando assume Shayn Weiss, un cuoco borioso che si è fatto licenziare da un locale di lusso perché si è rifiutato di scaldare il gazpacho a un cliente anche la poca clientela del locale di Zinos se ne va e come se non bastasse Zinos si procura un’ernia cercando di spostare una vecchia lavastoviglie. Zinos vorrebbe lasciare tutto e andare a Shanghai da Nadine che inizia a sentire sempre più distante ma un vecchio “amico” che ora si è messo nel ramo immobiliare e punta al terreno su cui sorge il locale, gli manda gli ispettori dell’ufficio d’igiene per farlo chiudere invece Zinos la vive come una sfida per far sopravvivere il locale che in breve tempo prende quota. Zinos decide di affidarlo al fratello che ha una relazione con la cameriera Lucia e trasferirsi da Nadine ma mentre si sta per imbarcare vede la ragazza di ritorno dalla Cina per la morte della nonna e Illias perde il locale a poker con Neumann. Perso tutto, Zinos s’impiega come manovale ai magazzini generali e dopo qualche mese Nadine lo richiama per scusarsi del suo comportamento. Scoperto che il locale è andato all’asta, Zinos chiede un aiuto economico alla ex ora ricchissima per l’eredità della nonna e ricompra il Soul Kitchen

Il regista tedesco di origine turca Fatih Akın raggiunse la fama nel 2004 con il drammatico e intenso La sposa turca, successo rinnovato da questo film del 2009 che vinse il Leone d’argento a Venezia, all’epoca non lo vidi al cinema poco attirata dai trailer e recuperato oggi riconfermo il mio stupore per gli entusiasmi verso questa commedia, sicuramente carina e divertente ma che non si discosta per nulla dal genere della commedia d’integrazione molto diffusa nel decennio scorso, forse oggi un po’ in declino.
Un film furbo che strizza l’occhio al film disfunzionale del Sundance, genere a sua volta diventato un cliché: i parenti impossibili, il questo caso il fratello ladro e sullo sfondo della cena d’addio a Nadine, la classica madre tiranna del Sud Mediterraneo; l’arte di arrangiarsi, vedi l’apparecchiatura sui generis a inizio film dopo che l’infernale lavastoviglie ha rotto tutti i piatti.
Di certo si ride anche se il ritmo è un po’ discontinuo per la troppa carne al fuoco anche se bisogna riconoscere al film la capacità di portare a conclusione tutti gli elementi, anche i più assurdi che compongono l’intricata trama: persino l’orgiastica nottata dovuta a una spezia afrodisiaca di cui lo chef abusa nel preparare il dolce, tornerà utile per far finire in prigione il pessimo Neumann: la donna che si è fatto e abbandonato senza neanche salutare è un’agente del fisco per vendetta si mette sulle sue tracce spedendolo in galera e salvando così il locale di Zinos dalla distruzione.
Come l’incontro del taverniere Zinos che cucina precotti e il raffinato chef Shayn, il film mescola diversi tipi di comicità quella di grana grossa legata al sesso, l’humor nero della bara della nonna che si apre durante la sepoltura, la comicità fisica dell’avversario di Zinos all’asta che perde il lotto avendo ingerito un bottone invece delle sue solite mentine.
A tenere insieme tutto la musica, costante dei film del regista, si segnalano per originalità la scelta di Natalino Otto nella scena d’addio all’aeroporto quando Nadine parte e la versione rebetiko originale che ha ispirato Contratto per Karelias a Vinicio Capossela.

Gold Diggers of 1933
USA 1933, Warner Bros
con Warren William, Joan Blondell, Aline MacMahon, Ruby Keeler, Dick Powell, Ginger Rogers, Guy Kibbee, Ned Sparks
regia di Mervyn LeRoy

1933, la Grande Depressione attanaglia anche il mondo dello spettacolo e una compagnia di ballerine è a spasso quando una di loro s’invaghisce di un giovane musicista (presunto) squattrinato. Brad non solo scrive le musiche del nuovo spettacolo ma si offre anche di sovvenzionarlo. Dovrà anche sostituire l’attor giovane (da 18 anni!) che si è infortunato la sera della prima. Si scopre così la sua vera identità di ricco rampollo bostoniano. Il fratello maggiore e il suo avvocato arrivano di corsa da Boston per cercare di dissuadere Brad dalla carriera musicale e soprattutto dal matrimonio con Polly ma il giovane rifiuta. Lawrence e Fanuel H. Peabody si recano allora dalla ragazza offrendole dei soldi perché rinunci alle nozze ma scambiano Carol, coinquilina di Polly, per la fidanzata di Brad. Inizia un gioco degli equivoci che finisce con tre matrimoni tra il bel mondo e le “equivoche” ballerine di Broadway.

Classica commedia sullo scambio di persona nemmeno troppo brillante nel ritmo nonostante il buon cast ma del resto la trama è solo un pretesto per i bellissimi numeri musicali firmati dal coreografo  Busby Berkeley.
Il primo numero è We’re In The Money appartiene allo spettacolo cancellato a inizio film per mancanza di fondi, canta Ginger Rogers, che ancora doveva incontrare Fred Astair, abbigliata con un classico costume pre-code di grosse monete.
Il secondo numero è Pettin’ in the Park che ha per protagonisti Brad e Polly (Dick Powell e Ruby Keeler) il numero più lungo e complesso che parte con i due innamorati che si conoscono su una panchina e finisce con uno scroscio di pioggia che porta tutte le ballerine a cambiarsi gli abiti fradici per uscire con un costume di latta che le preservi dalle avance degli uomini ma un bambino offre a Brad un apriscatole che permette di liberare la sua bella dall’armatura.

The Shadow Waltz è forse il numero più celebre con la sequenza dei violini fosforescenti che formano figure luminose nel buio della scena,
Joan Blondell e Etta Moten cantano Remember My Forgotten Man una sorta di blues che narra le vicende della Depressione: la gloria dei militari della Grande Guerra, il ritorno feriti e la vita da mendicanti alcolizzati un decennio dopo aver servito la patria.
Il cast è di tutto rispetto: Warren William,  the King of Pre-Code, per la grande fama che godette all’inizio degli anni’30 è il fratello snob che viene preso in giro da Carol per poi finire innamorati. Sua partner è Joan Blondell, altra gloria del precode, regina dei succinti pagliacetti di seta che non lasciano nulla all’immaginazione.
L’angelico volto di Ruby Keeler la rende l’interprete perfetta per la fidanzata ideale tanto che anche il borioso Lawrence crede che sia una ragazza di buona famiglia finita per disgrazia nel mondo perduto delle ballerine di fila.
I tocchi comici sono riservati ad Aline MacMahon e Guy Kibbee, la scaltra comica che seduce l’avvocato tontolone tenendolo lontano dalle sgrinfie di Fay, la ragazza arrivista, classico ruolo d’inizio carriera di Ginger Rogers