City Lights
con Charlie Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harris Myers, Allan Garcia, Hank Mann, Robert Parrish, Jean Harlow, James Donnelly, Victor Alexander, Eddie Baker, Albert Austin, Henry Bergman, John Rand, Stanhope Wheatcroft, Tom Dempsey, Willie Keeler, Eddie McAuliffe, Tony Stabeman, Emmett Wagner, T.S. Alexander, Harry Ayers, Joe Van Meter
regia di CharlieChaplin

Charlot s’invaghisce di una bella fioraia cieca e fa di tutto per cercare di soccorrerla: dall’aiutarla a non essere sfrattata con la nonna fino a pagarle l’operazione a Vienna che le può ridare la vista. Ci riesce con l’aiuto di un milionario che lo riconosce solo quando è ubriaco e non si ricorda di lui quando è sobrio, Accusato di aver rubato i soldi che il milionario gli ha donato da brillo, Charlot sconta la sua generosità con un anno di prigione, appena uscito va a cercare la fioraia e la trova a pochi metri dal suo vecchio posto: ora ha riacquistato la vista e gestisce un elegante negozio di fiori, la ragazza fa la carità a Charlot e toccandogli la mano riconosce il suo benefattore.

Il più noto e più celebre tra i capolavori di Charlie Chaplin, frutto di una lavorazione complessa durata tre anni con un girato lunghissimo, licenziamenti -anche della protagonista Virginia Cherrill- ciack rifatti centinaia di volte per trovare le soluzioni ideali, il perfezionismo di Chaplin fu premiato dal grande successo della prima a cui partecipò anche Albert Einstein.
Il successo del film non era scontato perché nel frattempo era esploso il cinema sonoro, a cui Chaplin si rifiutò di cedere per tutti gli anni ’30 e in Luci della città non esita a prendere in giro la nuova tecnica: nella scena iniziale dell’inaugurazione della statua, i discorsi dell’autorità sono parodiati dai suoni dei kazoos, e il collega di lavoro che inizia a inveire contro Charlot nella pausa pranzo produce vacue bolle di sapone.
Seppur critico verso il sonoro, Chaplin è attento alle novità stilistiche dei primi anni ’30 come la nascita dei gangster movie di cui ricostruisce l’atmosfera e le luci cupe nella sequenza della fuga dopo esser stato accusato di aver derubato il milionario.
Oltre che per la toccante storia d’amore con, o meglio per, la fioraia, Luci della città è importante anche per la critica sociale che emerge fin dalla prima scena: tra le braccia del gruppo marmoreo dedicato alla Pace e alla Prosperità dorme un barbone che con la sola presenza mette in ridicolo la pomposa cerimonia inaugurale tenuta dalle autorità cittadine. La città fantasiosa ricostruita nel film, misto di esterni reali e quartieri ricostruiti in studio è lo scenario dove ricchi e poveri si sfiorano senza toccarsi, senza vedersi presi dal loro tran tran quotidiano. L’incontro può avvenire solo lontano dalle LUCI della città: nel buio della cecità della fioraia o nel buio della notte dove il nevrotico milionario in preda ai fumi dell’alcol può essere amico del barbone che lo ha casualmente salvato dai suoi propositi di suicidio, ed è ancora paradossale che sia un vagabondo a illustrare le gioie della vita a un uomo che ha tutto.
Il fulcro del film è la scena finale dove finalmente la fioraia riconosce il suo benefattore, dopo averne riso per gli scherzi inflittigli dagli strilloni: la ragazza ha sempre immaginato di esser stata aiutata da un ricco milionario e nonostante la riconoscenza non può celare una certa delusione, ma ad esser veramente commovente è la ritrosia e la vergogna di Charlot per essersi spacciato per un milionario, dimentico della sua buona azione anche se il sorriso e l’inizio del dialogo tra i due su cui si chiude il film, è di buon auspicio per il futuro.

Journey into Fear
USA 1943 RKO
con Joseph Cotten, Dolores Del Rio, Ruth Warrick, Agnes Moorehead, Jack Durant, Everett Sloane, Eustace Wyatt, Frank Readick, Edgar Barrier, Orson Welles, Jack Moss, Richard Bennett
regia di Norman Foster

L’ingegnere americano Howard Graham, con moglie al seguito, è in missione tra la Turchia e la Russia per effettuare vendite di armi. Ad Istanbul viene portato in un nightclub da Kopeikin, l’impiegato turco della sua azienda. Coinvolto in un gioco di magia, Graham si salva fortunosamente da un tentativo di omicidio in cui muore l’illusionista. Il colonnello Haki costringe l’americano a cambiare i suoi progetti e a proseguire il suo viaggio verso il porto di Batumi su un vecchio piroscafo dove ritrova la ballerina Josette Martel, stella del night dove ha subito il tentativo di omicidio ma sulla nave ci sono anche il killer e il suo mandante nazista che hanno intenzione di fermare Graham. Non riuscendo ad eliminare l’ingegnere, Muller decide di farlo internare in un sanatorio per qualche settimana, pur di bloccare la compravendita di armi e dare un vantaggio ai nazisti ma Graham riesce a sfuggire un’altra volta e a raggiungere la moglie in hotel ma i due nazisti l’hanno preceduto…

Al terzo film, i rapporti sempre complicati di Orson Welles con le major esplodono: quella che doveva essere la sua terza regia vede la quasi completa estromissione del regista sostituito da Norman Foster, non gli viene neppure accreditata la partecipazione alla stesura della sceneggiatura e soprattutto il film subisce grossi tagli durante il montaggio che comporta un taglio di una ventina di minuti passando dai previsti 92 minuti ai 69′ della versione ufficiale. non viene accreditato neppure il ruolo del produttore, anche se gran parte del cast arriva dalla compagnia del Mercury Theatre fondata da Welles. La protagonista femminile è Dolores Del Rio, esotica stella della cinematografia americana anni ’30 all’epoca legata al regista; Terrore sul Mar Nero fu il suo ultimo film americano prima di tornare in patria e consolidare la sua immagine di icona cinematografica nazionale.
A Welles è riconosciuta la paternità della scena che precede i titoli di testa e che introduce il personaggio dello sgradevole killer Banat sulle note di un disco gracchiante e stonato al grammofono, lo stile inconfondibile del regista permea comunque gran parte dell’opera: i forti chiaroscuri, le angolazioni inusuali delle riprese, il piano sequenza nel piroscafo, ambiente claustrofobico in cui il protagonista tenta di sfuggire al proprio destino fino all’inseguimento finale sotto la pioggia scosciante tra le finestre dell’ultimo piano dell’hotel che costarono la brutta caduta di uno stuntman.
Al di là delle complesse vicende legate alla produzione, Terrore sul Mar Nero resta un film piacevole, una pellicola di spionaggio che riprende alcune tematiche tipiche dei film anni ’30 con un gruppo eterogeneo di personaggi costretti a interagire in un luogo chiuso, da Shangai Express a Ombre rosse, tanto per citare due film cult.
Non mancano i tocchi ironici nei personaggi minori (il marito di Agnes Moorehead che diventa socialista solo per infastidire la moglie megera, lo stesso Welles che costruisce il personaggio del colonnello Haki sulla figura di Stalin) e nelle situazioni, vedi il coltellino multiuso e la punta dell’ombrello che si rivelano armi più efficaci di quanto appaiano inizialmente.
La storia è rievocata sotto forma di lettera in cui Graham cerca di raccontare alla moglie i fatti successi sul piroscafo, giustificando il suo rapporto con la seducente Josette come puramente amicale, la lettera nel finale viene stracciata prima di essere consegnata: il suo ruolo nell’economia narrativa del film si è concluso e la mancata consegna si allinea alla tematica wellesiana dell’impossibilità di conoscere a fondo un’individuo, il tema base di Quarto Potere si adatta perfettamente alla spy story dove tutti sono diversi da quel che appaiono.

The Scarlet Pimpernel
GB 1934 London Film
con Leslie Howard, Merle Oberon, Raymond Massey, Nigel Bruce, Walter Rilla, Anthony Bushell, O.B. Clarence, Mabel Terry-Lewis, Ernest Milton

Durante gli anni del Terrore un inafferrabile nobile inglese salva diversi nobili francesi dalla ghigliottina, Robespierre incarica Chauvelin, l’ambasciatore del governo rivoluzionario presso la corte d’Inghilterra, di scoprire l’identità della Primula rossa. Chauvelin ricatta Lady Blakeney, una giovane francese che ha sposato il vanesio damerino Lord Blakeney: nessuno dei due sospetta che quello delll’insulso dandy è l’ennesimo travestimento della Primula Rossa.

Quinta trasposizione cinematografica del celebre romanzo della baronessa Orczy, la fastosa produzione inglese prodotta da Alexander Korda, è quella più famosa e lancia definitivamente la carriera di Leslie Howard che sarà l’Ashley Wilkes di Via col vento.
Purtroppo la regia anonima di Harold Young ha fatto invecchiare male il film che a tratti si rivela un po’ noioso: manca quasi del tutto la dimensione avventurosa del romanzo che ho letto di recente trovandolo una lettura piacevole; nonostante i tocchi ironici e la buona prova del cast si perde anche il continuo gioco di specchi tra verità e menzogna: lo stesso rapporto amoroso dei Blakeney è inficiato da una serie di menzogne e mezze verità: pur innamorato della bellissima moglie, Blakeney non le perdona di aver condotto la famiglia dei St Cyr alla ghigliottina con la sua delazione senza conoscere le motivazioni della moglie. Solo quando Marguerite confida al marito il ricatto di Chauvelin che ha fatto incarcerare suo fratello Armand, la tensione tra i due sposi si scioglie e nella casa di campagna dove si svolge la scena lady Blakeney nota in un ritratto il dettaglio dell’anello con la primula rossa che le permette di intuire l’identità segreta del marito e nel tentativo di raggiungerlo in Francia rischierà di mandare a monte la missione per salvare Armand e il conte di Tournay. Ad interpretare Marguerite c’è Merle Oberon che darà il meglio di sé ne La voce nella tempesta, titolo italiano della versione di Cime tempestose del 1939.
Leslie Howard è invece perfetto nel ruolo della primula rossa, ha l’occasione di travestirsi in buffi personaggi come la vecchia sanculotta che riesce a liberare la famiglia de Tournay, è credibilissimo nelle movenze del fatuo dandy, travestimento ufficiale della volitiva e imprendibile Primula Rossa.