E’ noto che quando una mostra fa riferimento a un artista importante e poi aggiunge una congiunzione, l’artista del titolo è solo di richiamo e a volte l’evento si rivela una mezza fregatura, con l’eposizione di molti coesi o seguaci senza un pensiero critico. Non è certo il caso della mostra milanese che si chiuderà domani.

La mostra spende spunto dal grande e longevo maestro del Rinascimento veneziano per praticare un excursus sulla condizione femminile nel XVI secolo, a Venezia, città colta e cosmopolita che in quegli anni ospita La querelle des femmes, una disputa sulla parità dei sessi che infiamma l’Europa e che proprio a Venezia trova una folta comunità di intellettuali femminili che partecipano in prima persona al dibattito.

La prima sala della mostra racchiude i due estremi del modello femminile in pittura: La tentazione di Adamo ed Eva del Tintoretto dialoga con la Madonna col Bambino o Madonna Zingarella di Tiziano raccontando tutta la parabola femminile: dalla causa della cacciata dal Paradiso terrestre allo strumento di Redenzione dell’umanità.
Tiziano è stato un ritrattista di donne in un epoca in cui la ritrattistica femminile di donne realmente esistenti non era pratica così diffusa, ma soprattutto il Ritratto di Eleonora Gonzaga della Rovere diventa un modello della virtù femminile nella compostezza della posa e nei simboli di fedeltà e pazienza (il cane e l’orologio).
Commovente il Ritratto di una bambina di casa Redetti di Giovanni Battista Moroni che mostra una graziosa bimba compunta nei lussuosi abiti che testimoniano il suo rango: la mostra non presenta solo quadri ma anche sculture e gioielli, le sculture spesso sono opere o riproduzioni classiche, inutile ribadire in questa sede il legame tra il Rinascimento e l’antico, interessante notare però come il ritratto in questione dialoghi con una scultura classica di un busto di bambino a ricordare come nel Rinascimento torno l’attenzione verso l’infanzia che era scomparsa nel Medio Evo.

Un modello tipicamente veneziano è quello delle Belle ritratti idealizzati a mezzobusto di bellissime figure femminili di cui è maestro Palma Il Vecchio.
Con riferimenti a studi più o meno recenti la mostra testimonia come quelle che spesso sono considerate immagini di cortigiane in realtò fanno riferimento a una simbologia ben precisa della tradizione matrimoniale o di fidanzamento: il seno nudo, di cui uno dei primi esempi è dato dalla Laura di Giorgione, figura ignota che prende il nome dalla pianta di lauro alle sue spalle, il seno nudo dicevamo non è un simbolo di meretrico ma un’offerta di purezza di cuore e amore.
Da quest’ottica vengono rilette altre composizioni tipiche del periodo, quello delle coppie: Gli amanti di Baris Bordone o di Bernardino Licinio rappresentano quindi una proposta di matrimoniale, uno scambio di doni tipici, la collana d’oro, davanti a un testimonio e non l’accordo per un appuntamento galante.
Non mancano le figure di sante e eroine storiche o bibliche: Giuditta, Maria Maddalena, Susanna e i Vecchioni, e Lucrezia, la matrona romana che si suicida dopo la violenza subita.
L’ideale di bellezza femminile, sempre confrontato con la statuaria classica, torna nelle allegorie e nelle figure mitologiche: Europa, Danae, le Muse e Venere creano un patrimonio di bellezze muliebri su cui i maestri rinascimentali esibiscono le loro conoscenze anatomiche ritraendole nelle pose più svariate, spesso con i loro amanti.
Dopo questo volo pindarico nelle bellezze ideali, si arriva alle figure femminili più interessanti, le protofemministe letterate da Gaspara Stampa di cui c’è un’incisione fino alla figure più complesse di Tullia d’Aragona o Veronica Franco, valenti poetesse e raffinate cortigiane.

La Maddalena Penitente di Washington è il primo quadro che accoglie lo spettatore alla mostra, opera emblematica dell’artista che ne dipinse diverse versioni, è un’immagine emblematica anche del lockdown che abbiamo trascorso, rinchiusi in solitudine a meditare sulla morte che ci circondava ed è toccante pensare alla solitudine del quadro nel periodo in cui la mostra, da poco allestita, è stata sospesa.

George de la Tour è un pittore caravaggesco noto per le sue opere a lume di candela, meno nota è la produzione “diurna” dell’artista che viene illustrata nella mostra: oltre all’abilità nel giocare con la luce e i suoi riflessi, l’artista è maestro di realismo, le opere diurne, che siano di genere (il suonatore di ghironda o La rissa tra musici mendicanti) o religiose (i tre apostoli di Albi) rappresentano con precisa minuzia di dettagli figure di umili del suo tempo di cui colpiscono le dentature sfatte, le unghie sporche e l’intensa espressività dei volti.

Come sottolinea il titolo dell’esposizione però, è la magia creata dalla luce candelare che determna la fama dei caravaggeschi, assieme alle quindici opere le maestro lorenese è infatti possibile ammirare le opere di altri artisti coevi a George de la Tour: dall’italiano Carlo Saraceni presente con una Natività a Gerrit de Honthorst noto in in Italia come Gherardo delle Notti, sono restata molto colpita dall’Amore Mercenario di Adam de Coster, che ha la potenza di ‘istantanea rubata nello sguardo della prostituta fisso sullo spettatore.

Si nota come la luce della candela diveni anche un escamotage per dimostrare la propria abilità pittorica schermando la candela con la mano o oggetti vari per produrre complessi giochi di controluce.
Un capitolo è dedicato a Trophime Bigot, raffinato pittore francese misconosciuto che si va sempre più identificando con il Maestro di lume di candela la cui Vanitas presente in mostra era già nella mostra di Caravaggio del 2004.
Il bellissimo San Sebastiano curato da Irene di Bigot riporta a La Tour che a sua volta si è cimentato con questa iconografia, gli esisti sono molto diversi ma altrettanto affascinanti.

Anche nelle scene notturne il pittore si divide tra scene di genere, i giocatori di dadi e immagini religiose Giobbe deriso dalla moglie o l’educazione di Maria.
Chiude la mostra il San Giovanni Battista nel deserto una delle ultime opere del pittore che completa il suo lavoro di ricerca pittorica che rende i suoi lavori sempre più essenziali, nella gamma dei colori per sottolineare ulteriormente la spiritualità e la ricerca interiore ricollegandosi idealmente con la Maddalena che apre il percorso espositivo.

7 Febbraio 2020 – 27 Settembre 2020
Palazzo Reale
Milano

Mai titolo di mostra fu più esaustivo: gli appassionati di stile liberty sanno che l’art nouveau assume diversi nomi a seconda della nazione/regione che lo declina in maniera differente. Art nouveau è l’espressione francese che caratterizza “l’arte nuova” che sul finire del XIX secolo ha attraversato l’Europa e non solo.
Gran parte degli oggetti in mostra alla Venaria Reale fino al 26 gennaio appartengono precisamente alla scuola francese e anche se le sezioni tematiche sono le stesse di altre mostre, il ruolo della donna, le prime star: Sarah Bernhardt e Loie Fuller, il rapporto con la natura e la nascita dell’industria ecc…, il materiale esposto non è il solito che gira nelle innumerevoli mostre che negli ultimi anni sono state dedicate a questo periodo artistico.

Anche Mucha che si solito spadroneggia e infatti si guadagna la locandina come artista di punta con la stessa immagine della mostra triestina del 2017, in realtà è poco presente rispetto ad altri artisti della grafica francese. La sezione grafica si rivela la più interessante dell’esposizione proprio per la presenza di opere inattese, ad esempio di Eugene Grasset, artista noto soprattutto per il calendario della Belle Jardiniere che impazza sui social, colpisce la crudezza de La Morphinomane.

Anche i bronzi sono un elemento di forza della mostra ma questo perché la tridimensionalità dell’oggetto esalta l’eleganza curvilinea caratteristica principale dell’art nouveau.
Ovviamente molto piacevoli anche gli arredi ma sicuramente presenti in misura minore rispetto agli altri oggetti.
Si chiude con una piccola sezione dedicata al liberty italiano nato proprio a Torino con l’esposizione del 1902.

Il Forte di Bard sceglie un modo inedito per raccontare l’Impressionismo, lo fa attraverso la Normandia, terra amata e riscoperta dai pittori impressionisti e non solo.
Sono gli acquarellisti inglesi che per primi scoprono il fascino della regione trasformando le brumose cittadine del Nord della Francia in luoghi d’incontro per i pittori: dall’impressionismo fino al post-impressionismo il fascino di questi luoghi diventa fonte d’ispirazione per artisti di fama e altri meno noti.
Il luogo più iconico della Normandia sono certamente le falesie con gli archi naturali di Étretat e in mostra spiccano due meravigliosi dipinti di Monet

Etretat, 1864 ca

Étretat, 1885 ca

Oltre a raccontare un momento di fermento culturale, i settanta quadri esposti di artisti del calibro di Renoir, Bonnard, Boudin, Corot, Courbet, Daubigny, Delacroix, Dufy, Gericault raccontano anche un’evoluzione socioculturale: se la possibilità di trasportare facilmente i tubetti di pittura ad olio facilita la pittura en plein air, la Normandia vive grazie anche alla fama artistica la nascita del turismo raccontata egregiamente in questa didascalia introduttiva a una sezione

Luci del Nord. Impressionismo in Normandia
3 febbraio – 17 giugno 2018
Forte di Bard – Valled’Aosta