USA 2020, Warner Bros
con Gal Gadot, Kristen Wiig, Pedro Pascal, Chris Pine, Connie Nielsen, Robin Wright, Gabriella Wilde, Kristoffer Polaha, Ravi Patel
regia di Patty Jenkins

L’amazzone millenaria Diana Prince nel 1984 nasconde la sua attività di eroina dietro i panni di un’esperta d’arte per la Smithsonian Institution di Washington, fa amicizia con una nuova assunta, Barbara Minerva e insieme indagano su un manufatto ritrovato in una gioielleria che riciclava oggetti d’arti rubati il cui tentativo di furto era stato sventato dalla stessa Wonder Woman. Come testimonia la scritta latina, la pietra ha il potere di realizzare di desideri di chi la tocca, Diana richiama in vita Steve, l’amato pilota della prima guerra mondiale, Barbara vuole diventare affascinante come Diana e Max Lord, un imbonitore televisivo fallito a conoscenza dei poteri del manufatto diventa la pietra stessa per nutrirsi dell’energia di tutti coloro di cui realizza i desideri. Ben presto il mondo è sull’orlo della catastrofe, del resto la pietra ha segnato la fine di tutte le civiltà con cui è venuta in contatto.
Rinunciando per prima al suo sogno d’amore Diana riesce a convincere il mondo a rinunciare ai propri desideri…

Il film si apre su un’episodio dell’infanzia di Diana quando la zia Antiope la priva della vittoria perché la ragazzina ha usato una scorciatoia: non si può essere eroi con l’inganno.
Anche la facilità con cui la pietra realizza i desideri porta solo scompiglio perché non c’è impegno e fatica e (guarda caso) tutti i desideri espressi hanno un fondo egoisitico persino quello involontario di Diana.
La morale del film si sposa anche bene ai gaudenti anni ’80 dove l’importante è la ricerca del proprio piacere senza curarsi delle conseguenze, peccato che il lunghissimo film (oltre 150 minuti) esasperi il concetto nella chiusa in un trionfo di melensa retorica.
Non ho visto il primo film ma di certo l’eroina non è molto simpatica in questa pellicola, altera e distaccata, solitaria e dedicata al culto del grande amore perso quasi 70 anni prima, non riesce a realizzare nemmeno una coppia romantica destinata sempre al sacrificio, difficile sviluppare un personaggio romantico con un protagonista maschile che per metà del film è stupito delle innovazioni tecnologiche scambiando una cyclette per una bici normale, e indossando tutti i look più assurdi del tempo.
Anche il potenziale del vilain si perde nella redenzione finale, più centrato il personaggio dell’antagonista di Wonder Woman, la sfigata dottoressa Minerva che non rinuncia fino all’ultimo alla prospettiva di essere ammirata e forte come Diana, anche se il desiderio avverato la sta inaridendo e la sta trasformando in Cheetah, donna ghepardo. Nel personaggio di Barbara Minerva vedo l’unica critica femminista del film: quanto costa a livello emotivo, per una donna, adattarsi agli standard richiesti dal mondo odierno!
Oltre alla bella scena iniziale della gara tra amazzoni, resta la puntuale ricostruzione d’epoca degli anni ’80 anche Alistair, il figlio sino americano di Lord, riprende il modello del simpatico bambino orientale che compariva in molte pellicole, si cita poi una battuta di un classico della filmografia degli anni ’80 che tutti abbiamo detto almeno una volta, quel “un caffè.. tè.. me” di Una donna in carriera che però era del 1988.
Della scena post credit è protagonista niente meno che Lynda Carter, la Wonder Woman televisiva che si rivela essere Asteria la mitica amazzone a cui erano dedicati i giochi che hanno aperto il film e la cui armatura d’oro è fondamentale per la novella Diana Prince per salvare il mondo: cosa ci riserverà il terzo film che dovrebbe essere ambientato in epoca contemporanea?

Italia 1953, Lux Film
con Totò, Carlo Campanini, Aldo Giuffré, Isa Barzizza, Primarosa Batistella, Mario Castellani, Dino Curcio, Peppino De Martino, Christiane Dury, Franca Faldini, Giacomo Furia, Amedeo Girard, Guglielmo Inglese, Nicola Maldacea Jr., Enzo Turco, Anna Vivaldi, Vinicio Sofia, Anna Campori, Totò Mignone, Valeria Moriconi, Mario Passante, Edith Jost, Ignazio Balsamo, Liana Billi
regia di Mario Mattoli

Felice Sciosciammocca, forzuto e donnaiolo, finisce in carcere prendendosi la colpa di un padre di famiglia ma quando capisce di essere stato condannato alla pena capitale accetta di fuggire assieme al compagno di cella, il borsaiolo Faina. I due evasi incontrano un turco che chiede indicazioni per Sorrento, scoperto che l’uomo non è conosciuto, Faina decide di tramortirlo e spacciare Sciosciammocca per il turco nella speranza di fare qualche soldo. Il turco era atteso da don Pasquale Catone, proprietario di una ricca bottega e gelosissimo della giovane moglie. Quando scopre dalla lettera di presentazione che il turco è un eunuco gli affida senza timore la moglie e la figlia con grande invidia di don Ignazio anche lui gelosissimo della moglie.
La figlia di don Pasquale dovrebbe sposare il nipote di Don Ignazio, Carluccio un gradasso detto uomo di ferro per la sua forza, la ragazza non ne vuole sapere e su consiglio del turco fa uno scandalo alla festa di fidanzamento rifiutandolo. Alla festa è presente anche il deputato che ha presentato il turco a Don Pasquale e ovviamente si accorge che Felice non è il vero turco ma avendo spacciato per sua moglie una ballerina francese ben conosciuta dal donnaiolo è costretto a reggere il gioco al falso turco. Sarà Faina che, scoperto che Felice non vuole dividere con lui l’ottima paga che riceve, per vendicarsi rivela la verità a Don Pasquale ma Felice salva la famiglia Catone dalla vendetta di Carluccio mettendo in fuga il bullo e riportando la pace in famiglia.

Il primo dei tre film tratti dalle opere di Eduardo Scarpetta a cui seguono Miseria e Nobiltà e Il medico dei pazzi girati entrambi nel 1954 a testimoniare il successo del trittico.
Totò innesta la sua vis comica fatta di improvvisazione e battute surreali su una struttura più solida degli esili canovacci da rivista che sono spesso i suoi film e il risultato si vede.
Che all’operazione sia data da subito una grande importanza lo si evince dalla grande cura nella ricostruzione storica di scenografie e costumi tanto che l’unico errore è evidente: il film si apre come una rappresentazione teatrale che dovrebbe andare in scena  il 24 febbraio 1904 al teatro San Carlino di Napoli, ma il teatro era stato demolito venti anni prima, nel 1884.
Nonostante il film sia la riproduzione di uno spettacolo, la pellicola non è certo un esempio di teatro filmato, molti movimenti di macchina nelle scene d’interni ed esteri girati en plein air con un gusto che restituisce la pittura di genere napoletana (scuola di Posillipo) di fine ottocento.
L’intro teatrale serve, sicuramente per ricordare la derivazione scarpettiana ma soprattutto per chiarire nel dialogo tra i due spettatori che si tratta di una pochade una commedia che fa ridere e la vecchia matrona preoccupata che l’opera potesse scandalizzare il figlio 24enne chiosa che quando si vuol far ridere si può scherzare su tutto, anche un tema così “scottante” per gli anni d’oro del gallismo italiano, quello dell’evirazione: man mano che si sparge la notizia della triste condizione del turco gli uomini hanno per lui un grande senso di compassione, forte sottolineatura dell’ipocrisia machista meglio avere la reputazione di grande amatore che passare del tempo in compagnia delle donne.

Ipocrisia che torna nei personaggi di Carluccio e del deputato che si presenta con l’amante e scende a patti con
Sciosciammocca “per amor di patria” (tema che conosciamo bene ancora oggi).
Ovviamente le gag con il deputato fanno parte del repertorio classico di Totò non a caso ad interpretare l’onorevole Cocchetelli c’è Mario Castellani il celebre onorevole Trombetta della gag del treno di Totò a colori del 1951 (ricordiamo il primo film italiano a colori).

The Witches
USA 1990 Warner Bros
con Anjelica Huston, Mai Zetterling, Brenda Blethyn, Rowan Atkinson, Jasen Fisher, Charlie Potter, Bill Patterson, Anne Lambton
regia di Nicolas Roeg

L’orfano Luke Eveshim accompagna in vacanza la nonna, ex cacciatrice di streghe che lo ha ben educato a individuare le acerrime nemiche dei bambini. L’hotel dove alloggiano è stato scelto dalla congrega di streghe inglesi per ospitare la Strega Suprema che espone il suo piano per liberarsi di tutti i bambini del regno con una pozione che li trasforma in topi. Luke ascolta casualmente il terribile progetto, viene scoperto e trasformato in topo come il suo amico Bruno. Nonostante la metamorfosi il ragazzino decide di trafugare la pozione e servirla al banchetto delle streghe affinché siano esse a diventare topi. Il piano riesce e Luke adattatosi alla nuova condizione topesca, progetta già di liberare l’America dale streghe quando l’intervento dell’ex assistente della Strega Suprema, che è diventata una strega buona lo trasforma nuovamente in un bambino

Dal romanzo per bambini Le streghe di Roald Dahl da cui è stato tratto anche l’omonimo film di Robert Zemeckis del 2020, l’incontro bizzarro tra il film per ragazzi e l’inquietante sguardo visionario di Nicolas Roeg.

Se la fiaba per bambini perde mordente nella seconda parte, lo sguardo del regista resta la cosa più interessante del film, riuscendo addirittura a infilare una citazione della carrozzina de La Corazzata Potemkin ovviamente con lieto fine come ne Gli Intoccabili del 1987.
Citazioni a parte, il regista riesce a creare un mondo angosciante grazie a inquadrature sghembe, primi piani degli adulti che incombono sui bambini e ancor più sui topi/bambini di cui il regista ripropone il punto di vista con soggettive rasoterra
Interessante anche la fotografia diafana, lontano dai colori vivaci dei tardi anni ’80 che crea una dimensione fuori dal tempo.
Molto del successo del film si deve anche all’interpretazione di Anjelica Huston che da lì a poco avrebbe interpretato Morticia ne La famiglia Addams del 1992. Altera e snob nella versione umana di Eva Ernst, si tramuta nella più laida vecchia strega grazie al trucco di Jim Henson chiaramente ispirato alla versione vecchia venditrice di mele della regina Crimilde nel classico Disney di Biancaneve del 1937.
Nel film compare anche il comico Rowan Atkinson in uno degli ultimi ruoli prima di diventare il per me insopportabile, Mr. Bean
Tra tante citazioni fatte dal film, mi viene da pensare che la scena del topo che crea scompiglio in cucina sia stata citata dal film Pixar Ratatouille.

Serendipity
USA 2001 Miramax
con John Cusack, Kate Beckinsale, Molly Shannon, Jeremy Piven, Bridget Moynahan, Eugene Levy, John Corbett, Lucy Gordon, Kate Blumberg, Mike Benitez, Pamela Redfern, Brenda Logan, Colleen Williams, Stephen Bruce
regia di Peter Chelsom

Pochi giorni prima di Natale Sara e Jonathan si disputano un paio di guanti in un grande magazzino newyorkese, finendo per bere qualcosa insieme ma entrambi sono fidanzati e Sara preferisce lasciar fare al caso: dissemineranno degli indizi che, se l’Universo vorrà, li faranno rincontrare. Passanno sette anni e i due non si sono più rivisti, entrambi sulle soglie del matrimonio non riescono a dimenticare quella bizzarra, per quanto innocente serata a New York ma improvvisamente le stelle si mettono in moto e finalmente scocca la scintilla tanto attesa.

Riscoperta (perché il termine è del letterato inglese Walpole) dalla moda new age dei tardi anni ’90 la serendipità è quel fenomeno per cui ci si imbatte in una cosa insperata mentre si pensa ad altro. Forse la lunga peregrinazione che l’Universo impone ai due innamorati è dovuta proprio al fatto che i due giochino con le forze dell’attrazione fingendo di abbandonarvisi ma poi facciano di tutto, soprattutto Jonathan, per agevolare l’incontro che dovrebbe essere fortuito, così i due protagonisti si sfiorano più volte senza mai incontrarsi, un po’ alla Sliding doors.
I tentativi di Jonathan di forzare la mano al destino danno vita a gustosi siparietti con l’amico del cuore e il burbero commesso di Bloomingdale’s, attingendo ai canoni della classica commedia brillante che ha sempre come supporto spalle comiche.
Il film ha una sua grazia che non si è persa nel tempo, battute brillanti, i protagonisti giusti e una New York da cartolina: il film uscì negli USA il 5 ottobre 2001, a meno di un mese dall’attentato alle Torri Gemelle che furono cancellate digitalmente dallo skyline della pellicola.

How to Murder Your Wife
USA 1965 MGM
con Jack Lemmon, Virna Lisi, Eddie Mayehoff, Claire Trevor, Terry-Thomas Stevens, Sidney Blackmer, Jack Albertson, Max Showalter, Mary Wickes
Regia di Richard Quine

Stanley Ford è un fumettista che vive in prima persona le avventura che disegna nei suoi fumetti e soprattutto è uno scapolo incallito almeno fino a quando non va a una festa di addio al celibato e completamente ubriaco si sposa con la bellissima straniera che è uscita dalla torta. Purtroppo liberarsi della moglie non è facile, le nozze sono state consumate e ben presto Stanley si ritrova senza il suo fedele maggiordomo e ingrassato per i manicaretti della moglie, decide quindi di ucciderla, almeno nei fumetti ma la donna, visti disegni, scompare nel nulla e l’estremo realismo che ha sempre caratterizzato il lavoro di Ford lo porta ad un passo dalla sedia elettrica…

Il debutto americano della nostra Virna Lisi, di una bellezza sfolgorante, è una commedia gradevole con alcune trovate estremamente divertenti ma c’è comunque qualcosa che non funziona, qualche calo di ritmo che inficia lo spettacolo.
Jack Lemmon è bravissimo e trova un’ottima spalla in Terry-Thomas, il fidato maggiordomo misogino quanto lui che rifiuta di servire coppie sposate e si mette al servizio solo di scapoli impenitenti. Quella tra Ford e il suo cameriere è una vera bromance al limite dell’omoerotismo dissipato dal finale con l’arrivo della madre della signora Ford con cui Charles trova un inatteso punto in comune.
Il conflitto tra i sessi delle commedie brillanti anni ’30 si trasforma in una commedia che mette alla berlina i vizi del matrimonio dove le mogli sembrano prendere il sopravvento e costringono il sesso forte a subire tutte le loro bizze e desideri, ragion per cui il processo per uxoricidio di Ford si trasforma in un surreale apologo della libertà maschile alla fine del quale l’esaltata giuria si schiera a favore del reo confesso.
Per quanto estremo difensore della libertà maschile, Stanley sente la mancanza della bella straniera (il nome di battesimo della protagonista non viene mai proferito) che gli ha sconvolto la vita e sarà con gioia che la ritrova a casa, anzi in camera da letto ma prima di concedersi, da buon film dell’America puritana, la signora Ford chiede di riavere la fede nunziale.
Virna Lisi interpreta un’italiana nella versione originale ma in quella italiana diventa una greca per mantenere la mancata comprensione linguistica del personaggio. Bellissima e fedele agli stereotipi: cucina abbondante, fuga per chiedere consiglio alla madre, la gestualità e la propensione per il contatto fisico trasformano la donna in una persona sempre pronta a prendere l’iniziativa sessuale: va bene che la Lisi doveva essere una (delle tante) risposte a Marilyn ma quest’insistita sensualità è davvero troppa e poco credibile, soprattutto di fronte a un maschile -questo sì molto realistico!- che ambisce solo a starsene in santa pace e portare avanti hobby infantili in case confortevoli ma senza fronzoli.
Nonostante i difetti il regista si conferma autore di immagini iconiche: Virna Lisi che esce dalla torta fa il paio con Kim Novak che canta la sua nenia con il gatto Cagliostro in braccio in Una strega in Paradiso

Der Himmel über Berlin
Germania 1987
con Bruno Ganz, Solveig Dommartin, Otto Sander, Curt Bois, Peter Falk, Bernard Eisenschitz, Teresa Harder, Hans Martin Stier, Elmar Wilms, Sigurd Rachman, Beatrice Manowski, Daniela Nasimcova, Bruno Rosaz, Scott Kirby
regia di Wim Wenders

Dalla notte dei tempi gli angeli vegliano sulla Terra, in particolare Damiel e Cassiel si aggirano su quella che è poi diventata la città di Berlino ascoltando i pensieri dell’umanità e cercando di consolarla. A Damiel inizia a pesare l’immaterialità e vorrebbe provare quello che tormenta, ma tiene vivi gli uomini, affascinato dalla bella ma solitaria trapezista Marion, troverà il coraggio di incarnarsi dopo l’incontro con il famoso attore Peter Falk che gli rivela di essere stato a sua volta un angelo.

Di ritorno da una lunga parentesi americana, il regista tedesco gira questa favola metafisica ispirata alle  poesie di Rainer Maria Rilke.
L’indiscusso talento per rendere l’anima delle città di Wim Wenders, esalta la dualità di Berlino, la città divisa in due dal Muro anche negli anni bui della guerra fredda si conferma capitale di cultura come conferma la biblioteca di Stato, dove i pensieri degli uomini si trasformano in un canto celestiale che fa da contraltare alla musica rock degli scantinati di Nick Cave.
Ancora devastata dalla Seconda Guerra mondiale, le cui ferite vivono nella geografia della città (la ricerca di  Potsdamer Platz da parte del vecchio poeta) sia nella memoria (le immagini di repertorio) Berlino è il luogo ideale per mettere in scena la dualità tra angeli e umani gli affanni anche insensati dei secondi di fronte alla partecipazione distaccata dei primi, che in fondo così distaccati non sono se Damiel s’innamora di una donna e Cassiel resta profondamente turbato dal fatto di non esser riuscito a salvare un giovane suicida con il suo tocco pacificatore; forse alla fine della Berlino divisa dal muro che sarebbe caduto due anni dopo l’uscita del film, corrisponde anche una stanchezza degli angeli di rimanere solo osservatori distaccati e vince la voglia di partecipare alla vita, come già fatto dall’attore Peter Falk e tanti altri prima di lui.
Che a un sereno distacco sia preferibile l’odore, o meglio il sapore del sangue -prima esperienza umana di Damiel- forse è anche la risposta al quesito del vecchio poeta Homer, che vorrebbe scrivere un’elegia della Pace e si chiede cosa ci sia di così poco attraente in essa da portare gli uomini a stancarsene subito.

La dualità si riflette anche nella fotografia: il fascinoso sepia del mondo visto dagli angeli contrapposto al mondo a colori dell’essere umano: seconda cosa compiuta dal Damiel incarnato è farsi dire il nome dei colori.
La prima parte pervasa dal dolore della città, in un bianco e nero sepiato che rimanda a molti classici del cinema fantastico, e non solo, è sicuramente un capolavoro, la seconda a colori è inferiore per la perdita di magia non tanto fotografica, ma perché tutto è finalizzato all’incontro di Damiel e Marion.