Desordre

CineAperitivo con En Attendant Godard

Si tiene domani, sabato 28 febbraio alle ore 19:30 presso la sede di CinemAvvenire a Roma (via dello Scalo San Lorenzo, 51) il CineAperitivo con il regista William Brown, che presenta il suo film En Attendant Godard (durata 95 min), interpretato da Alex Chevasco, Hannah Croft e Kristina Gren. L’evento è organizzato dall’associazione culturale Kilab in collaborazione con l'Overlook Film Festival.
Come in un tour de force attraverso alcuni dei lavori del regista francese Jean-Luc Godard, il film racconta una storia hard-boiled e sfrenata, basata sui solitari personaggi di Alex (Alex Chevasco) e Annie (Hannah Croft). I due partono alla ricerca di Godard che il giovane ritiene essere suo padre, imitano scene e situazioni, ma si ritrovano sulla coscienza un duplice omicidio e un ménage à trois.

Un omaggio divertente a uno dei più grandi geni del cinema realizzato a budget zero, un'indagine critica senza la necessità di essere iper-intellettuali o maniaci della Nouvelle Vague, perché, come sostiene lo stesso Godard, “tutto ciò che serve per realizzare un film sono una ragazza e una pistola”.
Il regista e autore William Brown, insegna cinema presso la Roehampton University di Londra, dove ha introdotto nei suoi corsi moduli di Digital Cinema e Guerrilla Filmmaking. Tre volte laureato presso la Oxford University di Londra, successivamente a En Attendant Godard ha prodotto e diretto Common Ground (2012) e China: A User's Manual (2012).

Il costo della serata, che comprende proiezione e aperitivo è di 8 euro, esclusa tessera associativa di CinemAvvenire.
Kilab è un’associazione culturale che nasce con lo scopo di creare connessioni tra artisti, creativi e makers per la diffusione di percorsi artistico-culturali. Kilab si propone come promotore di contesti in cui la creatività possa accadere e farsi conoscere divenendo motore di cambiamento.

Per maggiori informazioni:
www.kilab.co
[email protected]
www.cinemavvenire.it
[email protected]

Ufficio stampa Overlook Film Festival
Carlo Dutto

Shaun, Vita da pecora - Il film

Stanco della routine quotidiana alla fattoria, il gregge di pecore capeggiato da Shaun decide di prendersi un giorno di vacanza facendo addormentare il fattore dentro la roulotte per godersi le comodità della casa. Purtroppo una serie di rocamboleschi incidenti farà arrivare la roulotte in città e una contusione costerà la memoria al fattore: riusciranno Shaun&Co a riportarlo a casa e a fargli recuperare la memoria?

Il lungometraggio tratto dalla serie televisiva Shaun the sheep, prodotta dalla  Aardman con la stessa tecnica claymotion di Wallace&Gromit conserva le medesime peculiarità: anche in questo film non si parla e tutta la comicità nasce dalle gag slapstick unito all'inconfondibile humor britannico.
Abbandonato il citazionismo che aveva caratterizzato tutte le produzione animate del decennio scorso, compreso Wallace&Gromit - la maledizione del coniglio mannaro, si prende di mira l'omologazione contemporanea: il fattore diventa una star dell'hairstylish per i suoi tagli rasati (in realtà applica solo il vago ricordo della tosatura delle pecore).
Meno scontata del solito la morale sugli animali: vittime del terribile accalappiatore Trumper, Shaun e Bitzer finiscono in un ricovero per animali dove viene mostrato un esilarante campionario di animali da compagnia incattivito dall'abbandono (impagabile il molosso con lo sguardo fisso).
Al perfido Trumper toccherà una fine degna di lui e il ricovero si trasformerà in un vero centro di accoglienza per animali; anche per la randagia Slip, altra new entry del cast che aiuta Shaun e gli altri a sopravvivere nella metropoli ci sarà un tenero happy end.
Lo stile della Aardman si conferma ancora una volta intelligente e leggero e vorrei dire adatto a tutte le età come in tutte le recensioni serie ma gli esercenti evidentemente non sono d'accordo e riservano la proiezione ai soli giorni festivi in orari dedicati prettamente all'infanzia.

Flashmob per Dancing with Maria

Domani, 25 febbraio si terranno in contemporanea, in numerose città italiane, i flashmob di lancio del film Dancing with Maria, sulla danzatrice argentina Maria Fux, in uscita nelle sale del territorio nazionale il 26 febbraio.
Danzatori e danzatrici si incontreranno in punti nevralgici di Trieste, Milano, Torino, Firenze, Napoli, Messina, Catania, Ragusa, per eseguire delle colorate e gioiose coreografie partecipative, ispirate al metodo di Maria Fux.
La celebre coreografa e danzaterapeuta argentina, oggi 93enne, di grande esperienza artistica e pedagogica, svolge da quarant’anni il lavoro di formazione alla danzaterapia in vari paesi dell’America e dell’Europa, nei quali è ampiamente praticato il suo metodo per il recupero psicofisico attraverso il movimento creativo in diverse condizioni di disabilità.

Di seguito il programma città per città:
TRIESTE
Flashmob *25 febbraio* ore 17.30 piazza Unità
PADOVA
Flashmob *25 febbraio* ore 14.30 presso il Centro Civitas Vitae della Fondazione Opera Immacolata di via Toblino 53
MILANO
Flashmob *25 febbraio* ore 18.30 Galleria Vittorio Emanuele.
Proiezione del film: dal 27 febbraio al 2 marzo ore 21:00, Cinema Palestrina
TORINO
Flashmob *25 febbraio* ore 19.00 piazza Vittorio Veneto 5
FIRENZE
Flashmob *25 febbraio* ore 15:00 da Uffizi – Piazza della Signoria.
ROMA
Flashmob *27 febbraio* ore 19:30 Trastevere
Flashmob **1 marzo** ore 17:00 Pigneto
NAPOLI
Flashmob *25 febbraio* ore 19.00 Piazza San Domenico, Napoli, lato via Benedetto Croce (centro storico).
MESSINA
Flashmob *25 febbraio* ore 10.00 presso l'Istituto delle Piccole Sorelle dei Poveri, in via Emilia 25.
Ore 12.00 in piazza Duomo, vicino la Fontana di Orione.
CATANIA
Flashmob *25 febbraio* ore 18.30 da I Portali a Le Zagare, Catania.
Flashmob *25 febbraio* ore 23.00 Prima classe lounge bar, Via Ercolano 7.

Facebook: www.facebook.com/pages/Dancing-with-Maria
Twitter: @EXITmedia e #dancingwithmaria
Ufficio Stampa
REGGI e SPIZZICHINO

Il regista Min Byung-Hun all'anteprima italiana di “Love never fails”

Domani, martedì 24 febbraio alle ore 20:00, presso la Casa del Cinema di Roma, ci sarà il regista coreano Min Byung-Hun, per presentare in anteprima italiana il suo ultimo lungometraggio, Love never fails, già definito da Variety "a disturbing yet compassionate drama"; presentato in Prima Mondiale all’ultima edizione del Busan International Film Festival.
Min Byung-Hun, classe 1969, ha già una lunga filmografia e ha vinto premi in tutto il mondo. Regista e sceneggiatore, è spesso anche direttore della fotografia e montatore dei suoi stessi film.
Il regista è ora anche professore di cinema all’Università di Hanseo; tra i suoi film Let’s not cry (2001), menzione della Giuria al Festival di Karlovy Var e al Festival di Thessaloniki e Pruning the grapevine (2006), vincitore del Kodak Award al Busan International Film Festival. Il suo film d’esordio, Flight of the Bee, del 1998 ha vinto numerosi premi, dal Primo Premio e il Premio Fipresci al Torino Film Festival al premio al Festival di Thessaloniki.
Nel dicembre scorso la New York Film Academy ha presentato tutta la filmografia del regista, in 5 giorni di retrospettiva culminata con l’incontro con il regista stesso, che a New York ha iniziato la pre-produzione del suo prossimo progetto, Essay, film a episodi che sarà girato in 3 città, dalla Grande Mela a Roma e Pechino, con le musiche originali di Franco Antonio Mirenzi e la consulenza musicale del Prof. Roberto Giuliani.
L’episodio che sarà girato a New York costituirà di fatto il primo film di lungometraggio coreano mai girato negli Stati Uniti.

Info
Casa del Cinema
Largo Marcello Mastroianni, 1 – Roma

ingresso libero fino a esaurimento posti

Ufficio Stampa
REGGI&SPIZZICHINO Communication

I dannati e gli eroi

Sergeant Rutledge
USA 1960 Warner Bros,
con Woody Strode, Jeffrey Hunter, Constance Towers, Billie Burke,
regia di John Ford

Il nono cavalleggeri è un reggimento composto esclusivamente da soldati di colore e il sergente Braxton Rutledge è sicuramente l'elemento più valido del corpo, per questo desta grande scalpore l'accusa a suo carico di stupro e duplice omicidio. Pur avendo la possibilità di fuggire Rutledge si sottopone alla corte marziale e durante il processo si scoprirà la verità sulla morte della giovane Lucy Dabney.

Ennesimo ritorno di Ford al mondo della cavalleria con questo film che mescola al western il genere giudiziario: è attraverso i flashback dei testimoni che vengono rievocati gli eventi di cui è accusato il soldato e si capisce chi è il vero assassino. E' sempre in tribunale, con la plebaglia che punta al linciaggio e con i tocchi comici riservati alla moglie del giudice e al suo codazzo di amiche che Ford descrive il razzismo serpeggiante nei confronti del condannato, il regista ne sa cogliere anche le forme più inconsce in Tom Cantrell, superiore e difensore dell'imputato nel processo e la sua fidanzata, Mary Beecher, che si è trovata coinvolta negli eventi dopo l'assassinio del padre da parte degli indiani, che per l'ennesima volta hanno il ruolo di cattivi, seppure da comprimari.

Lo spettacolare scenario della Monument Valley è ancora una volta lo sfondo ideale della messa in scena fordiana, che torna a girare su alcuni luoghi già usati in Sentieri selvaggi come il guado sul fiume dove avviene l'attacco indiano. I canyon non fanno solo da sfondo ma acquistano una forte valenza simbolica rappresentando l'oppressione di Rutledge quando deve decidere se fruttare l'opportunità di fuga offerta dall'attacco indiano, il paesaggio si apre quando il soldato fugge a sottolineare la ritrovata libertà ma poi il senso del dovere lo riporterà sui suoi passi perché, dirà il sergente durante il processo, senza l'esercito non sarei niente solo un altro negro in fuga.
Una mia notazione personale che esprimo con beneficio di inventario, riguarda la curiosità di sapere se John Ford ha mai visto Segantini, forse saranno ancora mie impressioni della bella mostra milanese, ma mi è parso di rivedere le atmosfere di Alla stanga durante un momento di riposo nella spedizione contro gli indiani e l'abito azzurro di Costance Towers con suo cappello di paglia nel finale mi ricordava Mezzogiorno sulle Alpi: solo suggestioni?

Timbuktu

A Timbuctu, nel Mali, l'arrivo della milizia jihadista sconvolge le abitudini secolari: improvvisamente è vietato giocare a pallone, cantare, fumare..

Il film di Abderrahmane Sissako è candidato gli Oscar per il miglior film straniero, dopo aver vinto un premio all'ultimo Festival di Cannes.
Timbuktu è una pellicola corale che descrive gli esiti sconvolgenti del dominio fondamentalista su un pacifico villaggio africano. Il film si apre con una sventagliata di mitra che distrugge degli idoli africani e la scena ha una valenza profondamente simbolica ed anticipatrice della vicenda narrata: i miliziani distruggeranno la cultura e il quieto vivere della città con i loro dettami che spesso vanno anche contro il buon senso: come può una pescivendola sfilettare il pesce se, in quanto donna, deve indossare i guanti?
Il divieto di cantare deve valere anche per le cerimonie religiose musulmane?
La pellicola parte con toni surreali che ricordano il racconto assurdo della guerra palestinese ne Il tempo che ci rimane di Suleiman: una certa goffaggine degli invasori fa da controcanto alla poesia di una partita di calcio giocata senza pallone.
Il film diventa poi sempre più drammatico e la ribellione non è più poeticamente fantasiosa ma crudelmente concreta nella donna che continua a cantare mentre viene frustata proprio per esser stata sorpresa a cantare.
Il finale cita quasi letteralmente la morte della Magnani in Roma città aperta e l'inseguimento iniziale della gazzella si rivela essere una tragica ellissi temporale.
Timbuktu è un film doloroso, di un'attualità sempre più incalzante, immerso nell'abbacinante luce africana con una commistione di realismo e magia: chi è la donna dal lungo strascico che non viene mai sottoposta alle angherie dei fondamentalisti? Una pazza, una strega o l'incarnazione stessa del male?

Update del 21/2/2015

Timbucktu trionfa ai Cesar, i premi più prestigiosi del cinema francese portando a casa sette premi per musica, montaggio, suono, fotografia, soggetto e soprattutto per miglior film e miglior regia.
E' la prima volta che i due premi più ambiti vanno a un regista africano, Abderrahmane Sissako.
Non deve stupire il successo del film africano in Francia dato che la scena del giovane jidahista (in questo caso riluttante) che deve invitare i fratelli europei alla rivolta è un ex rapper e le similituini con la tragedia di Charlie Hebdo sono davvero troppo dolorose..

Birdman

Riggan Thomson è diventato celebre interpretando una serie di film su un supereroe dei fumetti, Birdman ma adesso che la sua carriera è in declino, tenta di rilanciarla in teatro, a Broadway, dirigendo ed interpretando una sua riduzione di un testo di Carver..

L'opera di Carver che Thomson vuole mettere in scena è Di cosa parliamo quando parliamo di amore, Inarritu nel suo bellissimo film mette in scena la necessità contemporanea di esserci, di essere visibili agli altri e da loro riconosciuti più che essere amati.
Il mondo dello showbiz si presta benissimo a raccontare questo bisogno che i social oggi hanno amplificato e reso raggiungibile a ognuno di noi. Il tentativo di rilanciarsi di una celebrity in disgrazia diventa l'occasione di raccontare due mondi inconciliabili: le produzioni hollywoodiane a cui interessa solo l'incasso e il teatro newyorkese, tempio della verità riservato ai soli attori di talento.
La scelta dei protagonisti è ottima non solo perché molto bravi ma soprattutto perché hanno tutti alle spalle un blockbuster dei comics e su Michael Keaton si crea un vero cortocircuito metacinematografico dato che il film potrebbe ricalcare la sua carriera di precursore di un genere (ha impersonato lo storico Batman di Tim Burton) poi caduto nel dimenticatoio.
Notevole anche la qualità regsitica: gran parte del è ambientato nel teatro in cui andrà in scena la piece e Inarritu sa sottolineare il clima opprimente che avvolge il suo protagonista con un senso di claustrofobia dato dall'ambientazione angusta, sottolineata dai numerosi piani sequenza che trasformano i passaggi nei corridoi in un viaggio nella mente schizofrenica (?) di Riggan.
Da sottolineare anche la colonna sonora caratterizzata da tumultuosi assoli di batteria.

San Giovanni Decollato

Italia 1940
con Totò, Titina De Filippo, Silvana Jachino, Osvaldo Genazzani, Augusto Di Giovanni, Eduardo Passarelli, Franco Coop, Peppino Spadaro, Bella Starace Sainati, Giacomo Almirante, Liliana De Curtis
regia di Amleto Palermi

Il ciabattino Agostino Miciacio è anche portiere nello stabile in cui abita. L'uomo è fervente devoto di un'immagine sacra che si trova nel cortile ma il continuo furto dell'olio dei lumini lo rende particolarmente irritabile tanto che i condomini lo trascinano in tribunale dove viene assolto per infermità mentale. Agostino intanto ha promesso la figlia Serafina in moglie al lampionaro Orazio, protetto del guappo Don Peppino Esposito ma la ragazza è innamorata di un giovane studente in legge e fugge con lui in Sicilia. Il ciabattino cerca di tenere buono il guappo ma quando viene invitato in Sicilia per le nozze riparatrici don Esposito, che si vuole vendicare, lo insegue con Orazio: sarà proprio durante i festeggiamenti nuziali che Agostino scoprirà che il ladro dell'olio non è altri che il guappo di cui aveva tanto timore..

Terzo film di Totò, chiamato a sostituire il comico Angelo Musco protagonista della prima versione filmica del 1917, scomparso in fase di prepararazione del film; molto timoroso di dover sostituire lo stimato collega, San Giovanni Decollato decretò il successo cinematografico del comico partenopeo.
Il film rappresenta un momento di transizione nei film comici: la prima parte ambientata nel cortile è molto teatrale: l'ambiente su cui tutti si affacciano riveste il ruolo di un fondale classico della rappresentazione comica mentre il finale con il lancio di piatti è una chiara citazione, una “versione autarchica” delle torte in faccia delle comiche americane.

In mezzo c'è già in nuce tutta la maschera cinematografica di Totò: le mosse, i giochi di parole, l'imitazione dei fuochi d'artificio; il talento dell'artista è sostenuto da ottimi comprimari su cui spicca una bravissima Titina de Filippo, litigiosa moglie di Miciacio a cui San Giovanni Decollato alla fine concede anche la grazia di renderla temporaneamente muta.

E' l'unica volta che compare sullo schermo Liliana de Curtis, figlia di Totò nel ruolo della bambina che contratta il pagamento delle scarpe riparate.

Frida Kahlo e Diego Rivera

Sono stata praticamente tra gli ultimi ad essere ammessa alla mostra Frida Kahlo e Diego Rivera che chiudeva ieri a Genova, la mostra mi incuriosiva molto dalla sua prima fermata italiana a Roma alle Scuderie del Quirinale prima di arrivare in Liguria modificata in alcuni aspetti.
La curiosità nasceva dal fatto di notare una certa angelicazione della figura di Frida sui social, in primis su Pinterest dove mi capita spesso di visitare intere board dedicate alla pittrice senza (quasi) nessuna delle sue opere ma tantissime sue foto e quindi mi dicevo “Ah-Ah! Mo' voglio vedere come vi confrontate con i suoi dipinti di dolore e sangue” perché fondamentalmente io sono un'ingenua e mai avrei creduto che una mostra avrebbe seguito il mood popolare su Frida Kahlo, nota per la vita tormentata, immortalata in quasi ogni momento della sua esistenza, anche sul letto d'ospedale ma vittima di una grande rimozione dei suoi quadri più drammatici che non siano gli autoritratti e le nature morte.

A Palazzo Ducale mancava persino il quadro più famoso della pittrice Le due Frida mentre era notevolissimo l'apparato fotografico, chi come la sottoscritta ha visto la mostra veneziana del 2001 dedicata a Frida Kahlo e la pittura messicana che esponeva un numero ridotto di opere ma non temeva di mostrarne gli aspetti più sofferti, si è sicuramente trovato spiazzato nella delineazione contemporanea di Frida, sublimata in una icona pop ma disincarnata dalla narrazione martoriata e sanguinolenta del suo corpo e mi chiedo se l'artista approverebbe questo amore incondizionato ma superficiale, meno male che c'è stato modo di approfondire anche l'arte del suo Diego, questo lo avrebbe sicuramente apprezzato e io con lei.

Il filo del rasoio

The Razor's Edge
Usa 1946 20th Century Fox
con Tyrone Power, Gene Tierney, Anne Baxter, Herbert Marshall, Clifton Webb
regia di Edmund Goulding

Larry Darrell, reduce dalla Prima Guerra Mondiale, è fidanzato con la bellissima e altolocata Isabella Bradley, i cui parenti non approvano questo legame perché il giovanotto rifiuta ogni opportunità di carriera preferendo interrogarsi sul senso della vita. Dopo aver aspettato per oltre un anno che Larry esca dai suoi dubbi esistenziali, Isabella si sposa con un ricco banchiere che però perderà tutto nella crisi del '29. Intanto Larry, tornato da un viaggio in India, si fidanza con l'amica d'infanzia Sofia, dedita all'alcol dopo la morte del marito e della figlioletta in un incidente ma Isabella non accetta questo legame e fa di tutto perché la donna cada nuovamente nell'alcolismo...

Il filo del rasoio è tratto dall'omonimo romanzo di W. Somerset Maugham e lo scrittore è interpretato da un compassatissimo Herbert Marshall che narra in prima persona la vicenda di Larry ovviando così ai salti temporali dei tre momenti della storia che si svolgono nell'arco di oltre un decennio. Si tratta di un blockbuster dell'epoca, oggi esempio della robusta solidità artiginale delle classiche produzioni hollywoodiane, miscuglio di fondali di cartapesta e ariosi piani sequenza.
La ricerca personale di Larry, dettata dal debito di riconoscenza verso il commilitone che è morto per salvargli la vita, anticipa la via dell'India come scoperta di sé che diventerà così in voga a partire dagli anni '60 ma il vero motore del film è il melodramma sentimentale al cui vertice c'è Larry, unico amore di Isabella che è disposta a lasciarlo libero di cercare se stesso ma non può accettare che l'uomo della sua vita si butti via cercando di redimere Sofia dall'alcolismo, ritenendola irrecuperabile. La perfidia di Isabella, meschinamente legata al denaro e alle convenzioni sociali, porterà alla morte violenta della rivale e le farà perdere per sempre l'amato Larry. Ancora una volta un ruolo subdolo è affidato all'angelica Gene Tierney, diabolica anche in Femmina Folle.

Il cast è fenomenale: nel ruolo di Sofia c'è Anne Baxter che vincerà l'Oscar come attrice non protagonista, Tyrone Power ha il carisma perfetto per il protagonista ma il personaggio più amabile resta quello di Clifton Webb che cesella nel ruolo dello zio Elliot Templeton la caratterizzazione migliore della sua carriera, un amabile figura di snob, ricco americano affascinato dalla nobiltà europea: l'apparentemente cinico Elliot è in realtà il contraltare dell'ipocrita nipote.