Desordre

Un uomo senza scampo

I walk the line
USA 1970
Con Gregory Peck, Ralph Meeker, Estelle Parsons, Tuesday Weld
regia di John Frankenheimer

Una piccola contea del Tennessee e’ sotto il controllo dello sceriffo Henry Tawes; un giorno lo sceriffo incontra casualmente una bella e giovanissima ragazza, Alma McCain, e se ne invaghisce ma la ragazza si lascia sedurre solo per proteggere gli interessi della famiglia, da sempre coinvolta nella produzione di alcol di contrabbando...

Un film asciutto che racconta la classica crisi di mezza eta’ di un uomo maturo che perde la testa per una ragazza piu’ giovane. Gregory Peck rende perfettamente tutti i patemi e i dubbi dell’uomo ormai rassegnato alla monotona routine lavorativa e familiare: lo sceriffo Tawes e’ ormai arrivato all’apice di una carriera che non offre molti sbocchi nella profonda provincia americana e infatti il caso in cui lo vediamo coinvolto e’ quello della disputa per il taglio di un albero. A casa lo aspetta una moglie orami sfiorita e comprensiva, una figlia e il padre un po’ svanito che da anni attende il ritorno della moglie e delle due figlie morte in un incidente d’auto.
L’incontro con la bella Alma, (una luminosa Tuesday Weld) sembra ridare la speranza allo sceriffo disposto a lasciare tutto per rifarsi una vita con lei da un'altra parte, ma la ragazza ha piu’ a cuore gli interessi poco puliti della famiglia e portera’ lo sceriffo a coprire piu’ volte le attivita’ illegali dei McCain, fino a coprire l’omicidio del viscido vicesceriffo che vuole sfruttare la tresca del suo capo per fare carriera.
Il taglio che il regista da' alla vicenda e’ estremamente malinconico con una scenografia di vecchie case abbandonate nel mezzo di una natura rigogliosa ma indifferente. Rimane sospesa la dimensione temporale: gli abiti e l riferimento alla produzione clandestina di alcol sembrano spostare l’azione ai tempi della Depressione ma le auto sono inequivocabilmente quelle degli anni ‘70.
Colonna sonora firmata da Johnny Cash e la canzone principale da' anche il titolo al film.

Corpo Automi Robot Tra arte, scienza e tecnologia.

La mostra svizzera che indaga storicamente ed artisticamente il rapporto millenario - fin dalla antica Grecia- tra uomo e automi mi ha colpito soprattutto nella parte esposta a Villa Ciani: il percorso cronologico che partendo dai vasi greci arriva alle macchine leonardesche, per proseguire con gli automi settecenteschi ed arrivare fino ai nostri giorni impressiona proprio per il forte contrasto tra la leziosa fedelta’ degli automi del passato e l’angoscia degli automi contemporanei: mani che brancolano sporgendosi attraverso una tavola di legno.. la testa di un bambolotto che batte le manine contro una gabbia.. il tutto condito da una cacofonia disturbante. Colpisce certamente come il Novecento sia il secolo in cui l’angoscia e l’alienazione siano esplosi pur condendo il tutto con una buona dose di ironia infatti sono le belle bambole che imitano la vita dei secoli passati che piu’ potrebbero terrorizzare l’incauto visitatore che rimanesse chiuso una notte intera nel paradiso degli automi di Villa Ciani...

Selezione di opere


Corpo Automi Robot
Tra arte, scienza e tecnologia.

25 OTTOBRE 2009 - 21 FEBBRAIO 2010 Da martedì a domenica 10.00 - 18.00 Villa Malpensata - Villa Ciani Lugano CH

Cado dalle nubi

Checco Zalone e’ stato un mattatore televisivo del 2009, indicato come colui che ha sdoganato la parolaccia in tv, inaspettatamente alla sua prima prova cinematografica Luca Medici trasforma la sua maschera di tamarro sboccato in un Candido piu’ composto che arriva dalla profonda provincia pugliese in quel di Milano per sfondare dome cantante dopo esser stato lasciato dalla storica fidanzata Angela.
Tra gaffes e sgrammaticature il buon Checco riuscira’ a conquistare una bella studentessa figlia di un padre leghista, convincere il cugino che lo ospita a rivelare la sua omosessualita’ ai genitori rimasti al paesello e vincere anche un talent show grazie anche alla sua intrinseca mediocrita’.

Una storiellina esile esile che fallisce l’intento satirico sulla dicotomia tra provincia e metropoli, con un cast di estrazione prevalentemente televisiva ma che conferma la bravura di Dino Abbrescia che riesce a rendere credibile e misurata la figura un po’ macchiettistica del cugino gay. Di sapore televisivo anche il taglio fotografico sulla citta’ di Milano che pero’ si salva per una certa originalita’ puntano piu’ sul fuoriporta milanese (l’abbazia di Morimondo) che sui simboli classici della citta’.
Resta la capacita’ di far ridere e distrarre il pubblico con un prodotto leggero, esattamente quel che ci si aspetta (?) e che offre il cinema italiano che ha per protagonisti i comici televisivi.

Addio a Jennifer Jones

Il 17 dicembre, è scomparsa Jennifer Jones, la notizia l’ho appresa dal sottopancia del Tg 2 e ho guardato tutto il telegiornale certa che ci sarebbe stato un servizio a lei dedicato, non fosse altro perché la star era stata la moglie del celebre tycoon David O. Selznick, invece l’ultimo servizio del tg era dedicato a promuovere l’imminente uscita di Natale a Beverly Hills. Questa non è l'unica nota polemica che si potrebbe muovere al modo in cui è stata trattata la notizia dai media italiani che in un empito teocon hanno marchiato Jennifer Jones solo come la Bernadette hollywodiana.
Effettivamente l’attrice ha vinto il suo unico oscar nel 1943 per il ruolo della pastorella di Lourdes, ma la diva passerà alla storia del cinema per il ruolo passionale della meticcia Pearl Chavez in Duello al sole firmato da King Vidor nel 1946, un melo’ western con cui il produttore Selzinick voleva bissare il successo di Via col vento e fare della moglie una star di prima grandezza. L’amour fou tra Pearl e Lewt McCanles, uno dei due fratelli proprietari del ranch in cui vive la ragazza, termina in una delle più belle e strappalacrime sequenze della storia del cinema dove i due amanti si sparano e si uccidono a vicenda salvo poi cercarsi nel momento della morte.
King Vidor chiama la Jones anche per il ruolo di Ruby Gentry (Ruby fiore selvaggio, 1952) ancora una donna povera ma orgogliosa e ribelle invischiata nell’ingiusta accusa dell’omicidio del ricco marito sposato per far torto al vero amore Boake Tackman (Charlton Heston).
Anche in La volpe diretto da Powell & Pressburger nel 1950 l’attrice interpreta una donna fiera e amante della natura innamorata di un uomo crudele che le ucciderà la volpe che lei aveva addomesticato.
A questi ruoli torridi e passionali l’attrice alterna personaggi che mettono in risalto il lato dolce del suo carattere, a partire da Bernadette e Jane Deborah Hilton, figlia maggiore della famiglia Hilton le cui vicende, da quando il capofamiglia si arruola, sono narrate nel melo’ di guerra Da quando te ne andasti del 1944.
Nel ‘46 è l’adorabile intraprendente cameriera Cluny Brown nell’omonimo film di Ernst Lubitsch (titolo italiano Fra le tue braccia). La pellicola fu l’ultima girata interamente dal maestro berlinese che morì l’anno seguente sul set de La signora in ermellino.

Nel 1948 è la dolcissima Jennie Appleton che incrocia spesso la strada del pittore Eben Adams (Joseph Cotten, attore con cui la Jones girerà molto spesso). L'uomo scoprirà solo dopo essersene innamorato che la ragazza è morta da tempo. Il melo’ fantastico di William Dieterle era -giustamente- adorato da Luis Buñuel.
C’è anche una parentesi italiana per Jennifer Jones: nel ‘53 è a Roma con Montgomery Clift per essere diretta da Vittorio de Sica in Stazione Termini.
Il più grande successo dell’attrice negli anni ‘50 è sicuramente L'amore è una cosa meravigliosa dove i tratti esotici del volto le servono per interpretare la dottoressa cinese Han Suyin che durante la guerra di Corea si innamora di un corrispondente di guerra americano interpretato da William Holden.
Dopo il fallimento di Addio alle armi (1957) che costa la carriera a Selznick, l’attrice si ritira progressivamente dalle scene. La sua ultima apparizione è del 1974 quando compare nel cast di vecchie glorie de L'inferno di cristallo, pellicola capostipite del genere catastrofico anni ‘70.

L'uomo senza sonno

El maquinista; The Machinist
Spagna 2004
Con Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Michael Ironside.
Regia di Brad Anderson.

Trevor Reznik non riesce piu’ a dormire da quasi un anno, e’ dimagrito in modo spaventoso. Quando sul lavoro causa un incidente che costa un braccio al collega Miller, perche’ distratto dal nuovo arrivato Ivan che nessun'altro pare conoscere, Trevor decide di andare in fondo alla sua ossessione..

Brad Anderson costruisce un film a trama destrutturata intorno al vecchio detto per cui non si puo’ dormire con la coscienza sporca. C’e’ un mistero nella vita di Trevor, qualcosa che l’uomo ha rimosso dalla sua memoria e che gli impedisce di dormire perche’ altrimenti la tragedia affiorera’ nel suo subconscio, ma dopo un anno di rimozione il non detto non puo’ piu’ essere taciuto e viene a galla e mostrato sul finale della pellicola. Una soluzione banale e semplicistica? Forse, ma personalmente l’ho trovata piu’ plausibile del solito sdoppiamento di personalita’ e ad Andeson va riconosciuto il merito di aver saputo giocare con i topos del thriller psicologico moderno avendo il coraggio di trovare una spiegazione realistica al malessere descritto nella pellicola.
Al di la’ delle opinioni sul finale, resta innegabile il fatto che il film sappia rendere bene la paranoia da insonnia (parola di esperta!) e mantenere alta la tensione: il regista non si preoccupa di tenere nascosto che quelle sullo schermo sono solo proiezioni mentali del protagonista ma la storia riesce sempre ad essere coinvolgente creando una tensione gelidamente torbida ed impalpabile, sorretta dall’ottima fotografia desaturata che gioca con i monocromatismi dei vari ambienti, dai grigi della fabbrica ai toni gialli, i piu’ caldi del film, dell’appartamento di Stevie, la prostituta innamorata di Trevor.
Girato in Spagna da maestranze iberiche, il film sa ricostruire perfettamente le atmosfere delle downtown americane e il fatto di non aver punti di riferimenti precisi, quell’essere tutti i posti e nessuno, rende ancora piu’ alienante l’atmosfera della pellicola.
L'uomo senza sonno e’ famoso per l’intensa prova fisica di Christian Bale, che per interpretare il ruolo di Trevor dimagri’ piu’ di 30 chili.

Favole di uomini qualunque

L’uomo nero e Il mio amico Eric sono due film molto diversi tra loro però stranamente accomunati dall’elemento fantastico e dalla capacità dell’insignificante uomo qualunque di fare gesti imprevedibili che sanno capovolgere le situazioni. Si esce da entrambe le visioni con l’animo sollevato e allegro, carichi di un ottimismo alla Frank Capra, anche se nei tempi di tremenda omologazione che stiamo vivendo, totalmente rassegnati all’arroganza di qualsiasi forma di potere (culturale e criminale nelle due pellicole) l’idea della ribellione imprevista può essere affidata solo ai toni favolistici.

Il film di Sergio Rubini racconta una storia di aspirazioni frustrate nella Puglia di fine anni’60: il capostazione Ernesto Rossetti ha velleita’ pittoriche che si ispirano a Cezanne. I suoi sogni di gloria sono pero’ osteggiati da chi detiene il potere culturale nel paese: l’avvocato e il professore di storia dell’arte che tiene una rubrica di critica sulla gazzetta locale dove stronchera’ drasticamente la mostra del capostazione. L’uomo troppo preso dal tentativo di sfuggire alla mediocrita’ della vita di provincia e’ piuttosto disattento nei confronti del figlio, Gabriele, che dotato di estrema sensibilita’ vede il padre come l’uomo nero del titolo. Rubini sceglie il punto di vista del ragazzino per raccontarci la vicenda e la telecamera e’ spesso ad altezza di bimbo riprendendo la vita e fianchi degli adulti. Pur essendo una pellicola molto equilibrata nei suoi vari aspetti, L’uomo nero ha il suo punto di forza nella ricostruzione puntuale della vita meschina della provincia anni’60, anche nella ricostruzione cinematografica o linguistica, ad esempio non sentivo chiamare il Meridione Bass’Italia dalla fine degli anni ‘70!

Il mio mio Eric e’ l’ultima fatica di Ken Loach sempre interessato ai problemi della working class. Eric Bishop e’ un postino in crisi depressiva: abbandonato dalla seconda moglie che gli ha lasciato in custodia i figliastri, in realta’ non riesce a dimentare la prima moglie Lily, che ha abbandonato appena ventenne con la figlioletta neonata. Dopo un breve periodo in una clinica psichiatrica Eric torna a casa dove trova il sostegno degli amici, ma soprattutto immagina di confidarsi con il suo idolo, il campione di calcio Eric Cantona. Seguendo i consigli del mitico e bizzarro King Eric, star del Manchester degli anni’ 90, Bishop riuscira’ a rimettere insieme i pezzi della sua vita e a salvare il figlio dai ricatti del delinquente del quartiere . Anche se i tono sono quelli leggeri della commedia, Loach non rinuncia ai temi di denuncia a lui cari ponendo come sempre al centro del film una questione morale che il protagonista deve affrontare al di fuori delle leggi dello Stato. Questa volta a risolvere i dilemmi della coscienza Loach chiama in causa gli amici e le leggi del calcio, che nei suoi aspetti piu’ alti diventa metafora di vita, non mancando di denunciare anche l’imbarbarimento di questo sport, oramai non piu’ per famiglie.

La prima linea

Il regista Renato De Maria si ispira a Miccia corta il libro in cui Sergio Segio, una delle colonne della banda eversiva Prima linea narra l’assalto al carcere femminile di Rovigo per far fuggire la compagna Susanna Ronconi; nel film le fasi di preparazione per l’attacco al carcere si alternano ai ricordi dell’attivita’ terroristica della coppia.
Come risaputo, il film, prima di arrivare nelle sale e’ stato coinvolto in grosse discussioni che hanno portato il produttore Andrea Occhipinti a rinunciare al contributo statale. Adesso che la pellicola e’ uscita c’e’ stato un grosso passo indietro e gli uffici preposti hanno riconosciuto il valore culturale dell’opera, pero’ siamo troppo abituati ai presunti misunderstanding per credere che il pregiudizio sul film fosse relativo alla presunta esaltazione dei personaggi o che gli attori scelti fossero troppo belli per interpretare delle figure negative. Io credo che quello che intimidisse fossero l’affermazioni che all’inizio del film il personaggio di Segio fa guardando fisso in macchina e cioe’ che la lotta armata di sinistra in Italia e’ nata come reazione alle bombe di Piazza Fontana, (il cui quarantesimo anniversario cade domani) o Piazza della Loggia sulla cui matrice di destra si cerca di sorvolare ancora oggi.
La prima linea e’ sicuramente un film molto equilibrato, perfetto nella ricostruzione storica tanto da recuperare anche i manifesti dell’epoca ed e’ quasi educativo nel mostrare la desolazione di tanti giovani, in particolare i due protagonisti, Segio e Susanna Ronconi, che hanno buttato le loro vite nella follia della lotta armata che ne ha fatto degli anacronistici e patetici personaggi. Quanto queste vite distrutte da una scelta sicuramente snaturata vadano messe sul conto di quelle mani che per prime si macchiarono di sangue e’ qualcosa che solo il futuro ci potra’ dire, questi tempi non sono ancora pronti per riconoscere le colpe e pacificare gli animi della guerra civile del 43-45 figuriamoci se possono affrontare qualcosa di molto piu’ contemporaneo.

Joconde. Da Monna Lisa alla Gioconda nuda.

Convinta di aver visto questa mostra gli ultimi giorni fruibili, come mia abitudine, scopro con piacere che la mostra e’ stata prorogata fino al 6 gennaio.
L’esposizione offerta dal Museo Ideale Leonardo da Vinci manca forse un po’ di rigore non facendosi scrupolo di avvicinare opere vere a copie o altro genere di riproduzioni, e il tono giocoso e’ dato anche dal paravento per mettere la propria faccia sulla Monna Lisa che si trova all’esterno del museo, resta comunque il colpaccio della Monna Lisa nuda che ha dato luogo a molte discussioni.
Per me la parte piu’ interessante della mostra e’ la seconda dedicato alle Giocondologie: da quei famosi baffetti disegnati da Duchamp, il piccolo ritratto leonardesco e’ diventato l’icona per eccellenza e il suo uso per copertine, pubblicita’ e caricature pare inesauribile

Joconde. Da Monna Lisa alla Gioconda nuda. Museo Ideale Leonardo da Vinci Via Montalbano,2 50059 - Vinci (FI) Dal 14 giugno al 6 gennaio 2010

Planet 51

Io credevo che il 51 del titolo fosse un esplicito riferimento all’area 51, invece il titolo puo’ essere riferito anche agli anni ‘50 perche’ il pianeta dove il capitano Chuck Baker atterra e’ una perfetta versione extraterrestre dell’America anni ‘50 in pieno delirio da invasione aliena.
Ecco tutto il film e’ un po’ cosi’: sai gia’ esattamente cosa aspettarti, un classico cartoon Dreamwork (ma diretto e realizzato dalle maestranze spagnole della Ilion Animation) dalla storia prevedibile che punta tutto sul citazionismo cinefilo esasperato, eppure trovi ancora qualcosa di fresco che riesce genuinamente a divertire, nella piu’ totale leggerezza.
Un grande merito in questo senzo, secondo me l’ha il personaggio di Rover, il pathfinder visto un po’ come il cane fedele dell’astronauta. L'oggettiva somiglianza con Wall.E poteva essere rischiosa invece il tenero pathfinder si permette addirittura uno sberleffo all’inarrivabile modello quando litiga con una creaturina aliena per il possesso di una roccia: la soluzione del conflitto va in direzione opposta al premuroso comportamento del robottino Pixar ed’ e’ estremamente liberatoria.