Desordre

I vampiri

Italia 1956 Titanus
con Gianna Maria Canale, Paul Müller, Carlo D'Angelo, Dario Michaelis, Wandisa Guida, Angiolo Galassi
regia di Riccardo Freda

Parigi: la Senna restituisce i cadaveri di quattro fanciulle morte per dissanguamento e poi gettate nel fiume. Il giornalista Pierre Lantin si appassiona al caso soprannominando l’assassino “il vampiro”. Intanto il giornalista e’ oggetto delle attenzioni della bellissima baronessa Giselle du Grand, che pare rivivere il morboso amore che la vecchia zia nutriva per il padre di Pierre.

Il primo horror italiano e’ uno stranissimo oggetto filmico, ammantato di leggenda cinefila: nato da una scommessa, girato in circa due settimane con un lieto fine voluto dalla produzione.
La storia resta comunque arzigogolata e prevedibile, ispirata alla leggenda della crudele Erzsebet Bathory.
Quello che lascia perplessi e affascinati e’ la strana commistione delle ambientazioni: gli esterni di una Parigi contemporanea alle riprese, filmata con le luci naturali degne di un film della nouvelle vague, cozzano con la ricostruzione del malefico castello dei du Grand dove si assembla tutto il ciarpame della tradizione horror: sotterranei con grate e ragnatele secolari, teschi e scheletri in bella vista, laboratori di scienziati pazzi ecc..
La cosa sconvolgente e’ che questo non e’ il lato nascosto del castello ma la bella Giselle sostiene un interrogatorio dove riesce a convincere la polizia della sua innocenza mentre alle sue spalle svolazzano tende bianche logore, sfilacciate e tarmate.
A dirigere la fotografia del film c’e’ Mario Bava che completa l’atmosfera del castello con lunghe, lugubri ombre di gusto espressionista e poi compie la magia di invecchiare a vista il volto di Gianna Maria Canale.

Addio a Paul Newman

 

Un mito cosi' immenso da riuscire a scalzare la squallida soap opera dell'Alitalia dall'apertura dei telegiornali italiani. Anche per questo un ultimo grazie.

Black Sheep

Henry Oldfield, erede di una dinastia di ovicoltori sviluppa un’irrazionale fobia alle pecore dopo l’incidente mortale del padre. 15 anni dopo la scomparsa del genitore, Henry torna nella proprieta’ di famiglia per cedere la sua quota al fratello Angus e scopre che gli insensati esperimenti genetici voluti da Angus hanno scatenato una pericolosa aggressivita’ nei mansueti animali..

L’esordio del neozelandese Jonathan King e’ una folle commedia nera e grandiguignolesca che dissacra tutto e tutti, in primis la sperimentazione genetica, infatti se l’idea di trasformare un animale simbolo della mitezza in un feroce cannibale e’ di per se’ estremamente brillante, se ne capisce la portata geniale ricordando che i primi esperimenti di clonazione sono stati portati a termine proprio sulle pecore.
Giocando con tutti i topos del cinema horror il regista si prende gioco dei tic della nostra societa’: la prima vittima del contagio e’ l’attivista ambientalista che diventa un feroce carnivoro, la ragazza new age e’ oggetto delle battute piu’ esilaranti, gustosa anche la scena dell’eliminazione del fanatico religioso: con soave leggerezza King usa il politicamente scorretto e una sana trivialita’ per confezione una delle commedie piu’ liberatorie degli ultimi anni.

Il papa' di Giovanna

Bologna, fine anni ‘30: un professore di disegno campano trapiantato a Bologna vive per la figlia che dimostra una qualche fragilita’ emotiva e le restera’ vicino anche quando la ragazza in uno scatto di gelosia uccidera’ la sua migliore amica e sara’ rinchiusa in un ospedale psichiatrico..

Sono entrata in sala con molte aspettative verso questa pellicola (speravo in un bis della magia de La seconda notte di nozze) e invece sono uscita dalla sala con un sonoro “embe’?” che mi dominava la mente.

La storia era anche interessante, la ricostruzione della Bologna pre e post bellica buona, quello che credo non abbia funzionato sia stata la scelta di concentrare l’attenzione “sul vaso di coccio tra vasi di ferro”: questo padre, eterno sconfitto dalla vita, dall’amore, dalla paternita’ (e pure dall’amicizia!) che non si rassegna alla tragedia della sua esistenza non ha poi molto di interessante rispetto alle figure tragiche della figlia (da sempre un po’ borderline ma non ci viene mai raccontato perche’ o come) e della moglie che non e’ capace di confrontarsi con questa figlia difficile rifugiandosi sempre nella solita battuta che non le viene perdonato il fatto di aver passato la vita a inseguire la bellezza. Certo, il film si intitola il papa’ di Giovanna e quindi e’ ovvio che l’attenzione verta sul padre, ma resta innegabile il fatto che e’  figura meno interessante rispetto alle altre che purtroppo restano appena abbozzate.

Anche la Coppa Volpi come migliore attore a Orlando e’ forse un po’ eccessiva: l’attore partenopeo non spicca particolarmente forse perche’ si tratta di  un ruolo perfettamente tagliato sul suo tipo fisico per cui non si e’ sforzato molto o la caratterizzazione non risalta, ma del resto non mi pare un film che offra eccelse prove recitative, la migliore resta la Rohrwacher anche per il coraggio di recitare la parte adolescenziale con gli orrendi brufoloni sulla fronte chiaramente posticci e totalmente inutili, dato che l’attrice caratterizzava gia’ perfettamente, con la postura scesa delle spalle o l’incertezza nella voce, le insicurezze di Giovanna.

La via dell'impossibile

Topper
USA 1937 MGM
con Cary Grant, Constance Bennett, Roland Young, Billie Burke, Alan Mowbray, Eugene Pallette
regia di Norman Z. McLeod

George e Marion Kerby sono una coppia di milionari eccentrici e muoiono in un incidente d'auto di ritorno da un consiglio d'amministrazione. Il loro banchiere, Cosmo Topper rimane molto impressionato dalla loro scomparsa ma non immagina certo che i due, per fare una buona azione e guadagnarsi il paradiso, abbiano deciso di dare una scossa alla sua anonima esistenza..

Ottima commistione tra la commedia sofisticata e il genere sovrannaturale, La via dell'impossibile segna il debutto nella produzione di lungometraggi di Hal Roach, il re delle comiche che ha lanciato tutti i più grandi comici da Chaplin a Keaton, da Stanlio & Ollio a Le Simpatiche Canaglie e il marchio della sua comicità slapstick, molto fisica rimane anche nella commedia brillante, i due fantasmi possono essere sia visibili che invisibili, a loro piacimento il che è frutto di numerose gag: il marito malmenato dalla moglie perché ha visto l'auto dei Kerby guidarsi da sola ma quando la raggiunge Topper ha chiesto di sostituire George alla guida e tutto sembra normale, l'impossibilità di capire se Topper condivida la stanza dell'hotel con un'amante non registrata fa letteralmente impazzire il detective dell'hotel e il fattorino che, nel suo precedente lavoro di ascensorista ha già avuto modo di scontrarsi con i fantasmi burloni.

I Kerby sono la parodia dei ricconi americani tipici delle commedie anni '30, eccentrici e smodati ma che sanno prendere con leggerezza la vita e anche la morte in contrapposizione con Topper la cui vita è regolata al secondo dall'arcigna moglie e dal pedante maggiordomo. Clara Topper pensa che la sua vita irreprensibile e perfetta la aiuterà nella scalata sociale mentre gli inviti dal bel mondo arrivano solo quando il marito finisce sui giornali dopo esser stato arrestato per rissa, ovviamente provocata dai Kerby.
Un film che non si distingue per lo studio dei personaggi o il graffio sociale come le grandi commedie, ma la spensierata leggerezza che si percepisce ancora oggi, ne decretò il grande successo al botteghino e la pellicola ebbe due seguiti: Viaggio nell'impossibile del 1938 che presenta il cast praticamente invariato esclusa la presenza di Cary Grant, già poco propenso a partecipare al primo lavoro e poi nel 1941 Una bionda in paradiso dove ritroviamo solo Cosmo e Clara Topper cioè Roland Young e Billie Burke e anche la regia non è più affidata a Norman Z. McLeod.
Un'ultima curiosità: Topper è stato il primo film colorizzato nel 1985 quando si pensava che attraverso la colorizzazione le vecchie pellicole avrebbero avuto un nuovo appeal per gli spettatori televisivi (pazzi!).

Il seme della discordia

 

La bellissima Veronica e’ una donna in carriera, tutta presa dal progetto di aprire un concept store e ben lontana da quello di allargare la famiglia, come vorrebbe l’invadente madre aspirante nonnina, cosi’ insistente da convincere figlia e genero a sottoporsi a un controllo sulla loro capacita’ di fecondazione. Il test rivela che il marito di Veronica non puo’ procreare ma contemporaneamente la donna si scopre incinta.. 

Se del film va assolutamente salvata la fotografia iperrealista che ben sottolinea i pochissimi momenti visionari di Corsicato (la sequenza onirica dei gigli e la perdita d’acqua della lavatrice), purtroppo la trama banalotta non corona la bellezza delle immagini: Corsicato, tra una citazione cinematografica e l’altra, si perde in una sensualita’ esasperata che fa da contraltare ad una sessualita’ inesistente: uomini che non riescono ad avere un erezione o nel migliore dei casi soffrono di eiaculazione precoce, per tacere della sessualita’ femminile che e’ ovviamente subita (infatti il figlio della colpa e’ frutto di uno stupro non certo di un desiderio sessuale della bella Vera!).
Tra le righe sembra di intravedere una volonta’ di critica ai valori esclusivamente estetici del mondo di oggi (il personaggio di Martina Stella) ma Corsicato non osa affondare il coltello nella piaga e ripiega su scelte (soprattutto il finale) che vorrebbero accontentare un po’ tutti e credo che invece abbiano finito per scontentare diversi.

Pranzo di ferragosto

Gianni si occupa amorevolmente della vecchia madre, Valeria. I due hanno problemi economici e non riescono a far fronte alle spese condominiali. Nel periodo di ferragosto l’amministratore propone a Gianni a prendersi cura per qualche giorno anche di sua madre. Allettato dal grosso sconto sulle spese condominiali Gianni accetta la proposta ma presto la situazione gli sfuggira’ di mano, e si ritrovera’ a badare a ben quattro indomite vecchiette! 

Se Garrone ne il suo capolavoro Gomorra riporta in auge il neorealismo italiano, il suo sceneggiatore Gianni Di Gregorio qui alla sua prima regia giustamente premiata all’ultimo festival di Venezia, rinverdisce i fasti della piu’ graffiante commedia all’italiana rovesciando i criteri di quello che viene definito neorealismo rosa, di cui emblema fu Poveri ma belli titolo che contiene tutte le speranze di una nazione appena uscita dal una guerra devastante, ma giovane e bella, piena di speranze. Cinquant’anni dopo il mondo illustrato da Di Gregorio e’ vecchio e deluso e tornato nuovamente povero. 

Altro tema classico della commedia al’italiana sono le ferie d’agosto e se Una domenica d’agosto di Emmer e Il sorpasso descrivevano la scoperta delle vacanze di massa da parte degli italiani, Pranzo di ferragosto, racconta, piu’ che l’abbandono dell’anziano durante le ferie, il nuovo corso di chi in vacanza non si puo’ piu’ permettere di andare. Il contrasto con i film degli anni del boom sta tutto nel liguaggio, dialettale e sguaiato, per maleducazione od ignoranza nelle pellicole degli anni ‘50-’60, forbito e controllato oggi, dove la poverta’ si ritorce anche contro chi ha avuto modo di studiare. 

Altro tema classico della commedia all’italiana e’ l’arte di arrangiarsi tipicamente italiana (ma non solo, visto come ci si puo’ procurare del pesce fresco il giorno di ferragosto, quando tutti i negozi sono chiusi) e non stupirebbe piu’ di tanto se dopo le tagmutter prendesse piede la moda di questi mini ricoveri per persone anziane, del resto pare che il nucleo da cui si sviluppa la vicenda, la proposta di prendersi cura della vecchia madre dell’amministratore in cambio di un depennamento delle spese condominiali, sia un’esperienza realmente accaduta al regista. 

Interessantissimi anche i personaggi delle quattro anziane signore: Donna Valeria, raffinata signora bene, decaduta dopo un pauroso crac finanziario, madre soffocante di un bamboccione antelitteram, Marina, la madre dell’amministratore, popolana arricchita ancora sicura di poter soddisfare i propri desideri di vita, la zia Maria, di chiara matrice contadina, (e’ l’unica che sbaglia i verbi) con una fame atavica e che ripone nella sua ineffabile pasta al formo tutte le soddisfazioni di una vita, e la timida Grazia, la madre del dottore, costretta ad un rigido regime dietetico dal figlio che trova una ventata di liberta’ nella convivenza con le altre vecchiette. 

Pranzo di ferragosto racconta quindi il disfacimento della societa’ italiana attraverso il disfacimento dei corpi che sembra essere l’unica cosa capace ancora di inorridire il pubblico ormai avvezzo ad ogni scempio, se bisogna dar retta la rumoreggiare del pubblico (soprattutto femminile) ai primi piani sui volti raggrinziti: ma veramente ci si illude che a novant’anni suonati l’estetica (chirurgica e non) ci salvera’ del decadimento della vecchiaia?!?

Kung fu Panda

Po, panda pasticcione e un po’ imbranato, e’ ammaliato dal mito del kung fu, ma e’ rassegnato a raccogliere l’eredita’ paterna di ristoratore.
Quando tutto il villaggio si raccoglie al monastero shaolin per l’elezione del guerriero dragone, inaspettatamente la scelta cade su Po che dovrebbe diventare il paladino della giustizia contro il perfido Tai Lung, fuggito di prigione.. 

Nell’anno delle olimpiadi in Cina, la Dreamworks sfrutta furbamente l’attenzione verso il Celeste Impero anche con una simpatica rielaborazione del proprio logo iniziale in chiave “occhi a mandorla”. Come esplicitato fin dal titolo, il cartone si ispira ai film di kung fu degli anni ‘60/’70 e lo dimostra subito con l’onirica sequenza iniziale, per altro molto bella. Anche gli stili piu’ celebri del kung fu, tigre, gru, scimmia, vipera e mantide vengono incarnati dai cinque animali da cui prendono il nome, ma per una piu’ attenta analisi delle citazioni filmiche rimando all’accurata recensione di FilmTV.

Per il resto il film e’ una godibile commedia sull’esser se’ stessi e trasformare i propri punti deboli in punti di forza, per un attimo ho temuto che il flaccido e goloso panda si sarebbe trasformato in un forzuto e atletico combattente durante l’allenamento, ma Po riuscira’ a portare a termine la sua missione senza perdere le sue caratteristiche peculiari.

A dare la voce al simpatico panda c’e’ Fabio Volo, con una recitazione un po’ costruita, ma ammetto che il mio giudizio potrebbe essere parziale: non riesco a reggere quell’uomo, neppure come doppiatore.

Il posto

Italia, 1961
con Sandro Panseri, Loredana Detto
regia di Ermanno Olmi

Gran giorno per la famiglia Cantoni di Meda: il primogenito Domenico, si reca a Milano per superare un esame che gli permettera’ di essere assunto in una grande azienda. Tra gli altri partecipanti Domenico nota Antonietta che conosce meglio durante la pausa pranzo e che ritrovera’ il giorno dell’assunzione. Il possibile amore tra i due giovani viene pero’ ostacolato dalle diverse destinazioni di reparto.

Il posto e’ stato probabilmente uno dei primi film di cui ho scritto: quando facevo le medie presso un’istituto salesiano il primo lunedi’ del mese era dedicato alla visione cinematografica a cui seguiva la doverosa riflessione scritta. Non so se a decenni di distanza la memoria mi tradisce e o davvero la cineteca era cosi’ limitata, per quanto eterogenea, ma i titoli che mi ricordo sono Morte a Venezia, Marisol la piccola madrilena, Ti-koio e il suo pescecane, la biografia di un frate di colore che aveva l’abitudine di lamentarsi con l’Altissimo senza peli sulla lingua (altro che Don Camillo!) di cui non ricordo il titolo e Il posto di cui ho sempre rammentato l’immagine finale, quando il giovane Domenico prende posto nella scrivania in ultima fila che molto probabilmente sara’ il suo spazio per tutta la sua vita lavorativa e ricordo il senso di malinconica oppressione che mi lasciava quel film in cui le speranze giovanili di un ragazzotto dell’hinterland milanese di poco piu’ grande di me si spegnevano cosi’ presto nella pacifica banalita’ di un posto fisso.

Credo di non aver piu’ visto questa pellicola dai tempi delle medie e quindi va riconosciuto il merito a RAI3 di averlo trasmesso ieri in seconda serata senza neppure un’interruzione pubblicitaria, per onorare il Leone alla Carriera che la Mostra di Venezia consegna oggi ad Ermanno Olmi.
Il posto e’ il secondo lungometraggio del regista e coniuga la sua passione per il documentario (la pausa pranzo dei due giovani che diventa una carrellata sulla Milano in piena ricostruzione per il boom economico ed e' gia’ citta’ vetrina per le merci) con reminiscenze neorealistiche (la scelta di attori non professionisti, il confronto tra mondo rurale e la metropoli). Dopo l’assunzione il film prende una vena surreale ma sempre caratterizzata dalla delicata partecipazione del regista, illustrando l’alienazione dell’azienda a cui i travet cercano di sopravvivere sviluppando tic e manie, quasi le stesse che Paolo Villaggio 15 anni piu’ tardi mettera’ alla berlina con ferocia in Fantozzi.

L'anno in cui i miei genitori andarono in vacanza

Brasile, estate 1970: il dodicenne Mauro vive nella spasmodica attesa che inizino i mondiali di calcio in Messico, ma la sua vita viene sconvolta dall’improvvisa partenza per le vacanze dei genitori che lasciano il piccolo a casa del nonno a San Paolo. La partenza dei genitori e’ cosi’ precipitosa che non aspettano neppure che il nonno venga ad accogliere Mauro. Il bambino restera’ ore sulla soglia di casa: il nonno e’ morto proprio quel pomeriggio..

Un inizio rocambolesco per un film dolceamaro che racconta l’iniziazione alla vita di un bambino tra l’esaltazione infantile per il calcio, la scoperta della morte e della vita con le prime pulsioni sessuali, sullo sfondo l’ombra della dittatura brasiliana che costringe i genitori di Mauro ad andare frettolosamente in vacanza, cioe’ ad entrare in clandestinita’, portando il piccolo a confrontarsi anche con le proprie radici religiose: sara’ infatti la comunita’ ebraica a prendersi cura di lui dopo la scomparsa del nonno. Apparentemente molta, addirittura troppa carne al fuoco, invece il film, riesce a manterenere la centralita’ del punto di vista di Mauro e i momenti piu’ belli sono quelli dell’anarchia solitaria del piccolo, che mi ha fatto tornare in mente quella (fintamente?) gioiosa di Pippi calzelunghe.

Ottima la fotografia che punta sui colori smorzati dove prevalgono i grigi e i marroni, il film presenta anche un uso classico dell’immagine riflessa dagli specchi o schermata da vetri e tende, che ben sottolineano il senso di straniamento di Mauro e di tutti gli altri personaggi messi al bivio dalla sua vicenda.